30/10/2009 - 19:00h Vida Xpress 1.0: Pasó una noche

Cristina Civale

Como les prometí cuando terminé la serie de Cuentos alcohólicos -a mediados de noviembre ya en librerías y recibirán la invitación a la presentación-, en noviembre me proponía arrancar con la serie de relatos Vida Xpress, un conjunto de cuentos breves acerca de encuentros efímeros.

Aquí va la primera entrega:



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Noche estrellada, Van Gogh

Pasó una noche

Espiar. Pretender ser como alguna de ellas. Meterse en los baños de los clubes, discos y bares y permanecer más de lo que el retoque del rimel o del gloss demanden. No uno, dos, tres segundos… Largos quince minutos y estirarlos a como dé lugar a media hora. El lapso perfecto. Y tomar nota con los ojos, envidiar y copiar. Quizá excitarse. Sentir el latido entre las piernas que produce la indescifrable belleza ajena. ¿Qué es? ¿El gesto ardiente de un lápiz recorriendo el contorno de los labios? ¿La mano grácil que con una esponja diminuta transmite purpurina en las mejillas? ¿La manos seguras que levantan los pechos y los acomodan como la raya de una cola en el medio de un escote? ¿La insinuación del pubis bajo una minifalda? ¿Los ojos estrellados que se miran con lascivia frente al espejo, deleitándose de sí? ¿La mirada de satisfacción de la armonía conseguida? ¿La cabeza que en un gesto lento y salvaje sacude la cabellera? ¿El cuello que chorrea esa gota casi invisible de sudor? Todo. Cada parte. Cada pequeño momento. La sensualidad ahora intangible de la belleza que espío y no rozo. No todavía. ¿Qué más?

¿El encuentro atrevido de dos cuerpos iguales que unen sus lenguas en un beso fugaz, travieso y apasionado? ¿La palma de la amiga o de la desconocida tocando en una caricia disimulada ese bretel que asoma en una parte inoportuna del hombro y esas miradas que se cruzan, cómplices, quién sabe para qué complicidad? ¿El aliento que no huelo y que destila gin, cigarrillos, tictacs de menta y lujuria en forma de burbuja? También.

Seguir espiando desde el cubículo privado, con la puerta ligeramente entornada o con los pies cargados sobre los bordes del inodoro. Achicando el cuerpo para que apenas asome, con la mayor discreción, la menor parte de la cabeza que permita al ojo entender la construcción de la belleza.

El interior-noche disco no tiene estaciones. No hay primavera ni otoño. Ni invierno ni verano. La estación es la temperatura de la noche misma, el calor exacerbado –frío, caliente, tibio- de los cuerpos que marchan a exhibirse con sus mejores atributos, naturales o impostados, para luego rozarse con otros cuerpos y otros atributos para cualquier fin. No importa cuál.

Ahora mismo estoy espiando. Todavía no llego al baño. Aguardo a mi presa en el salón principal del bar icónico de la noche under, en la esquina mítica y caliente de Godoy Cruz y Güemes. Al fin, ella llega, una ella elegida al azar. La sigo. Desciendo al subsuelo por la escalera estrecha. Me arrastra el perfume que emana de su cuello, allí mismo distingo un tatuaje que reproduce una flor imprecisa. No se qué me inquieta más, si el olor agrio o la flor que no reconozco. Pero me dejo llevar. Apenas bajo la escalera, a la izquierda, dos puertas sin distintivos conducen a los baños. Sigo el cuello, sigo el olor que atraviesa sin titubear la puerta que no dice nada. Me escabullo en el espacio. Es diminuto. Otros cuerpos se baten contra una mesada pequeña y dos lavabos. Las cabezas se mezclan buscando el espejo inmenso. Decido seguir a mi presa, no la miro más que a ella. El cabello largo y negro, de un negro-azul, se alza sobre la nuca en un peinado sin nombre, envuelto por un palito de comida japonesa. Bajo el cuello del tatuaje, más piel. Piel desnuda. Luego de acomodarse el pelo con la inutilidad de un gesto que es excusa para volver a mirarse –estoy segura que ya lo hizo en otros espejos de otros bares- y aprobarse, abre su bolso pequeño y espío ahora del cuello para abajo siguiendo la línea marcada de su espinazo brutalmente marcado por una delgadez que apremia. Hambre, el mío.

Me topo con su cola dura y redonda y bajo hacia las piernas largas y distingo un vello que se insinúa, ese desequilibro: un error, un defecto en la construcción. Ese pequeño desliz acelera mis latidos. Quiero agacharme y arrancarlo con mis dientes para que todo sea perfecto pero me contengo. El cuello se va con su pierna con vello. Y yo me quedo, turbada, perdida en el perfume que todavía huelo o creo o imagino. Quedan otras pero no puedo concentrarme. Me aturden sus susurros.

Estoy embrujada por la imagen de cabello negro-azul, tatuaje y pierna defectuosa. Me obligo y miro, escruto escondida en el cubículo, el único. Hay una cerradura rota. Aprovecho y pego el ojo. Tengo un plano medio de tres cuerpos que se miran. Llega el beso imaginado. Más breve de lo debido, más juguetón, mas amistoso. Un beso consuelo de bocas que buscan otros placeres que allí no encuentran. Ya no late nada en mí. No hay belleza en el gesto falso. Añoro con una exageración que reconozco la presa uno, la primera, la del azar y salgo del baño.

La encuentro en la barra rodeada de dos hombres que le hablan, rifándosela. Ella sonríe con su boca de labios delgados, excesivamente blancos, como de diseño, salidos de la imaginación de las sonrisas hiperbleeching de Hollywood.

Por fin apura su trago transparente –¿gin, vodka, agua?- se despega de los hombres y regresa, como en un rito inevitable, al baño desde cuya puerta me agazapo y espero.

Entra. Entro. Me reconoce y me sonríe con los labios apretados. Estamos solas. En un gesto mecánico trabo la puerta. Ella está entretenida, ahora, con el cinturón que le sostiene la falda breve. Me aproximo y rozo su entrepierna con mi pubis. Allí no hay nada especular. Hay otra cosa. Estaba segura, sólo tenía que comprobarlo, que mi cuerpo tocara el de ella y me lo confirmase. Ella no me dice nada. Me vuelve a mirar y me regala uno sonrisa de labios abiertos.
Las más bella de las bellas de esa noche.

Este relato salió publicado en la revista Ñ, el 24 de octubre de 2009

Publicado por Cristina Civale en Civilización & Barbarie

19/10/2009 - 20:25h Crisis

Pensar la contemporaneidad: crisis – Blog Civilización & Barbarie

El análisis de Manuel Borja-Villel, director del Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, para el diario El País, con motivo de la feria de arte Frieze en Londres, se centra en el horizonte de ambiciones creativas que se abren.

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A propósito de la feria que terminó ayer, dice: “La capacidad de degeneración del sistema nunca deja de sorprendernos, pero de la ruptura de la burbuja artística es de esperar que salga un sistema de arte más creativo, más limpio e interesante. Podría volver a hincharse, pero soy optimista y creo que el paisaje tras la batalla es mejor que el pasado”.

Se refiere a la bonanza que vivió el arte contemporáneo antes de la última crisis económica global cuando una obra del young british boy Damian Hirst se cotizó 111 millones de euros (o dólares, perdón pero ahora es casi un detalle) justo el día en que se venía abajo la bolsa de New York y en cascada el resto del mundo.

Me resultó interesante esta frase: “el paisaje tras la batalla es mejor que el pasado” y lo pensé para ver si era aplicable a otros ámbitos más allá del arte, donde la venta de la obra de Hirst fue una brutal metáfora -o quizá no fue metáfora- de lo que sucedió con el quiebre del capitalismo.

¿Cómo será el nuevo paisaje cuando dejemos de batallar?

En Europa, dicen, ya pasó la crisis, por aquí: ¿alguna vez ha dejado de suceder?

Publicado por Cristina Civale, Argentina

18/08/2009 - 17:33h Intimidade

Pensar la contemporaneidad: intimidad

Me dicen que aunque me cuide como la mejor paranoica, cada vez que me suscribo a un red de la Web, escribo un mail o clickeo una página, alguien anota mis preferencias, mi potencial de decisiones.

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Dicen ahora que si me fumo un cigarrillo de marihuana en mi casa y no ando por la calle incitando al consumo, no iré presa. Dicen que pronto no será delito, que mi vecina podrá oler, el aroma inconfundible y deberá callar, salvo que tenga una plantación en mi jardín con la que lucre. ¿Y los narcotraficantes? ¿Los que lucran con el paco? ¿Por qué saben mi nombre y el de ellos también y la vecina les teme y a mí me mira mal?

Dicen que si alguien me graba con su cámara de video y me sube a la Web o lo difunde en la tevé, viola mis derechos. Ese abusador/a todavía trabaja y cobra en las cadenas de tele de todo el mundo.

Hay quienes venden su vida por unos billetes. Allá ellos. Es su derecho. No me obligan a imitarlos.

Yo quiero mi intimidad. El reducto sagrado de mi identidad: lo mejor y lo peor de mí. Mis sucios secretos. Mis ideas luminosas.

Yo y sólo yo quiero decidir qué comparto y qué no.

Dicen que alguien nos mira todo el tiempo por nuestro bien.

Bien, cuál bien.

¿A dónde fue a parar nuestro derecho a la intimidad en estos tiempos?

02/05/2009 - 15:04h Belas imagens em New York

Bellas imágenes en NYorK por Cristina Civale

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Sin título 54 Cindy Sherman

El Metropolitan Museum of Art de Nueva York hospeda desde esta semana la primera gran muestra retrospectiva dedicada a los artistas de la llamada The Pictures Generation. Artistas que, desde mediados de la década de los setenta y hasta mediados de los 80s crearon el mencionado colectivo, uno de los más destacados de la creación contemporánea estadounidense sobre finales del siglo 20.

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Walking gun de Laurie Simmons

Entre otros, la tribu de fotógrafos está formada por Cindy Sherman, Barbara Kruger, Laurie Simmons, Richard Prince, Robert Longo, Matt Mullican o David Salle. Todos ellos trabajaron con distintos medios pero priorizaron la fotografía. Con este medio intentaron explorar en qué medida nuestra forma de percibir las imágenes incide en el modo en que entendemos el mundo y en el que nos contemplamos a nosotros mismos.

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Sín título de Paul McMahon

La muestra comienza con la presentación de trabajos tempranos de John Baldessari en su etapa como profesor del California Institute of Arts. Baldessari, uno de los cabecillas del grupo, puso en tela de juicio los conceptos de “originalidad” y “autoría” de la obra de arte tras la proliferación de mecanismos de reproducción mecánica de fácil acceso.

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Sin título. John Baldessari
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Sin título. Bábara Kruger

Más tarde, a fines de los setenta, Sherman o Simmons analizarían la incidencia de la “apropiación” de las reflexiones propias y colectivas en la cultura contemporánea, sirviéndose para ello de los objetos e imágenes que marcaron su juventud. A comienzos de los ochenta, muchos de estos creadores pondrían en stand by la fotografía para convertir la pintura en su medio de expresión fundamental (fue el caso de Longo, Salle o Goldsten y sus trabajos a gran escala), otros, especialmente la vertiente femenina del grupo, representada por Kruger, Birnbaum y Erika Beckman optaron por continuar dentro de la fotografía, el cine o la instalación.

Fonte Civilización & Barbarie

20/12/2008 - 19:38h Una torre no gemela

Se encuentra instalada en un nuevo espacio del Museo Reina Sofía de Madrid. Allí el artista argentino Leandro Erlich (La Plata, 1971) presenta su instalación La Torre, especialmente creada para inaugurar el Patio Nouvel del centro español.

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Los visitantes parecen flotar, pero no…

Como en sus otras instalaciones, tan deslumbrantes como desmesuradas, cuestiona la visión de la realidad mediante simulaciones y efectos ópticos.

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Una vista de La Torre

Erlich manipula espacios y situaciones cotidianas para establecer una realidad paralela que parece unirse a una verdad única y objetiva.

La Torre es un alto edificio decorado como un bloque de departamentos –con ventanas y pasillos– y compuesto por un dispositivo de espejos que crean un juego de perspectivas. Allí el espectador ve y es visto según su localización mientras que el visitante situado en la parte baja puede observar qué sucede en la parte superior, y al revés.

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Desde afuera

Por otro lado, quienes se encuentran dentro de la instalación parecen flotar para quienes miran desde fuera por las ventanas.

Los ojos del público completan la alegoría de Erlich, que ya viene sorprendiendo desde 1999 con su magnifíca y ya icónica instalación La piscina.
La Torre es un proyecto del programa Producciones del Reina Sofía. Este programa está dedicado a desarrollar proyectos específicos producidos por el museo y realizados por artistas, tanto españoles como extranjeros, cuya trayectoria está empezando a consolidarse.

“El objetivo -dicen sus creadores- es potenciar una forma de exhibición alternativa a la tradicional exposición en salas, aspirando a estimular y potenciar la actividad creativa actual”.

La piscina, ya una obra icónica del arte contemporáneo argentino

14/11/2008 - 19:36h “Demoliendo hoteles”: un mexicano en el Pompidou

Civilización & Barbarie

Después de un año trabajando desde Berlín en este proyecto, Damián Ortega (México DF, 1967) presenta hoy su nueva exposición en París, específicamente diseñada para el Espace 315 del Centre Pompidou; una sala de 315 metros cuadrados donde el museo recibe piezas de jóvenes talentos, creadas especialmente para la ocasión. Cabe destacar que es el primer artista latino de su generación en exponer en el prestigioso museo francés y que forma parte, junto a Abraham Cruz-Villegas y Gabriel Kuri, de los artistas más excepcionales de la nueva generación mexicana.

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Cosmic thing, la obra que lo hizo famoso en Venecia

En esta exposición, Champ de vision, Ortega intenta sorprender con una complicada instalación móvil estructurada gracias a más de cinco mil piezas de acrílico traslúcido que se superponen y entremezclan formando una red tridimensional de colores. Tras la estructura aparentemente perfecta se ve que esconde algo que podría asemejarse a una enorme reconstrucción de una fotografía, en la que las mencionadas piezas acrílicas hacen las veces de gigantescos pixels; dando lugar a un monumental juego de ilusión óptica.

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Otra de sus piezas móviles

Con esta propuesta, Ortega continúa en la misma línea argumental que le llevó a los altos estándares en las artes visuales durante la 50º edición de la Biennale di Venezia en 2003, donde curado por Gabriel Orozco expuso Lo cotidiano alterado a través de un Volkswagen escarabajo desarmado y colgado del techo, con el que además parodiaba un objeto de culto social en su país, los famosos taxis verdes, que circulan por la ciudad gigante entre la ley y el desorden.

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Fragmento de la obra que exhibe en el Pompidou

“Champ de vision” se abre con una representación de la tabla periódica tras la que encontraremos la enorme instalación -a través de la que se puede transitar, abarcándola así desde el mayor número de perspectivas posibles- y se cierra con una habitación en la que descubrimos un agujero y una lente, actuando de este modo como una suerte de cámara oscura. Así, la muestra hace referencia a la fotografía, propone una reflexión sobre lo real y lo ilusorio y un análisis, finalmente, sobre la importancia de los diversos puntos de vista.

01/09/2008 - 18:43h Cuentos alcohólicos: Dry martini

por Cristina Civale

El avión aterrizó con cincuenta minutos de demora. Se hacía tarde para mi cena de cumpleaños. Eran pasadas las siete pero aún no anochecía. Todavía tenía que llegar hasta el hotel, registrarme, desempacar, darme el masaje que formaba parte del paquete-regalo-de-cumpleaños, pasearme por el sauna y, recién después, encontrar un lugar donde celebrar la cena de mis cuarenta y cinco. Estaba obsesionada con que fuese en un sitio con vistas al Canal.

http://weblogs.clarin.com/itinerarte/archives/BARNES-MARTINI-94X76CM-thumb.jpg
Cristian Barnes©

Siempre quise conocer Ushuaia y por una razón u otra, cada vez fui posponiendo el viaje: había visitado rincones insospechados de África, conocía muchas ciudades europeas –incluso pueblos sin encanto que no figuran en los mapas-, había barrido de norte a sur todos los destinos turísticos de Argentina y por supuesto había visitado New York, Miami y Los Ángeles y no sé cuántos otros lugares más. La ciudad del fin del mundo era una deuda que arrastraba desde los tiempos en que empecé a viajar.

La llegada de los cuarenta y cinco constituían una excusa para saldar esa deuda y, sobre todo, un buen maquillaje para lo que verdaderamente quería: huir de Buenos Aires, escaparme de la vida que tenía montada –socias, marido, padres, amigos, conocidos oportunistas, un tumulto de gente con la que intercambiaba conversaciones del tipo ruido contra ruido- y llegar sin compañía a una ciudad que imaginaba con magia tanto para los festejos como para la huída.

La mañana del viaje ordené rápidamente la casa. Me di cuenta de que mi marido había dejado la radio del living clavada en una emisora AM que bullía escupiendo noticias. Sobre la mesita ratona había desparramado las sobras de su desayuno y un cenicero rebosante de colillas. Ninguno de mis dos hijos –adolescentes tardíos que ya iban a la universidad- había tendido sus camas antes de partir hacia sus actividades y el gato ronroneaba en el balcón. No apagué la radio ni limpié la mesa ratona. Tampoco ordené las camas de mis hijos y le dejé comida al gato como para tres días. Empecé a garabatear una nota para mi familia pero enseguida me arrepentí y la quemé. Tiré las cenizas por el balcón. Marqué el número de celular de una de mis socias desde mi teléfono fijo sin identificación y cuanto atendió, corté. Llamé a mi madre. Me respondió el contestador. No dejé mensaje.

Los preparativos del viaje habían sido secretos. Así debía ser la partida. Tomé un avión del mediodía para no tener que atravesar la mirada matinal e interrogante de mi marido ni la suspicacia del portero que a esa hora descansaba de vigilar las entradas y salidas de quienes se movían por el edificio. Llamé a un radiotaxi de un empresa a la que jamás había contratado –quería evitar dejar algún rastro- y pedí que me recogiera en una esquina a dos cuadras de mi casa. En el camino me crucé con el verdulero al que le mentí prometiéndole que más tarde pasaría a comprar algunas provisiones, zapallitos, calabaza y una raíz de jengibre, lo de siempre. Llevaba un equipaje exiguo, un bolso de mano con ropa abrigada, un par de botas, otro de zapatillas y los borceguíes negros que había comprado para la ocasión. Nada delataba mi condición de viajera. Podía pensarse tranquilamente que me dirigía al gimnasio.

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13/06/2008 - 18:04h Apaleados

Apaleados: una serie sobre la violencia callejera

Civilización & Barbarie

 Cristina Civale


El artista finlandés Harri Pälviranta (Tampere, 1971) expone en el marco de la megamuestra madrileña Photoespaña, su ensayo Battered (Apaleados), un documental fotográfico, social y contemporáneo cuyas imágenes entroncan visualmente con la fotografía de escenarios de crímenes y las fotos policiales.

Pälviranta se concentra fundamentalmente en las huellas físicas que las agresiones y las peleas de los fines de semana, producto del abuso de alcohol y drogas, dejan en el cuerpo.

Photoespaña se viene celebrando desde 1998 cada junio. Este año el tema propuesto para las más de 600 exposiciones fotográficas que pueblan la capital española es el “lugar”. Según Alberto Anaut, presidente de Photoespaña, “Lugar es un concepto que tiene muchas connotaciones. He querido poner una atención particular sobre el espacio, más allá de la dimensión geográfica. Más que un tema, entiendo el lugar como una gran área de confluencias. Nos interesa discutir la imagen del lugar, pero también el lugar de la imagen”.

Esta noche Photoespaña celebra su noche off, donde se abren al público las galerías periféricas y cuando, además, en el barrio de Chueca se celebra una fiesta nocturna y sin fin con proyecciones de las obras más celebradas del festival.
La fiesta se puede seguir desde este site.

Aquí una secuencia de la serie Apaleados:

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06/05/2008 - 23:37h 3 gigantes sobre el cielo de New York

La semana pasada se inauguró en el Canton Roof del Met (Metropolitan Museum of Art) la muestra del cotizado artista pop, Jeff Koons.

Tres esculturas gigantes que reproducen a gran escala objetos siempre pequeños en nuestra vida cotidiana.

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Y son estas: Balloon Dog (un perro de tres metros de alto como los que se hacen con globos de colores), Sacred Heart (un corazón rojo estilo San Valentín de tres metros) y Coloring Book (inspirado en el osito Winnie the Pooh, de cinco metros).

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Koons, un señor muy elegante que tiene en su historial haber sido marido de la Cicciolina, dice del arte: “”Para mí, el arte es el punto de conexión en el que se juntan todas las disciplinas: estética, teología, filosofía, sociología… un vehículo que nos ayuda a aceptarnos a nosotros mismos y a los demás. Abre posibilidades a la vida. No admite contracciones”.

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Es interesante recordar que se hizo broker para financiar sus obras, que fue el primer artista que contrató un asesor de imagen y también el primero que pagaba publicidad para hacerse conocido.

Hoy, rankea entre los más cotizados del arte contemporáneo, presentó su muestra en el MET enfundado en un carísimo Gucci y a pesar de reconocerse hijo de Dali asegura que no es importante el dinero, afirma: “No creo que el arte esté relacionado con el dinero. Y no creo que el mercado del arte esté creando una nueva moneda, sino que le está dando a la gente una plataforma en la que apoyarse. Lo que tiene valor es ampliar horizontes y darse cuenta de lo importante de estar vivo y ser parte de la raza humana. Creo en la generosidad, no en el cinismo; cada gesto en la vida tiene que ser generoso”


07/04/2008 - 15:11h Pensar la contemporaneidad: arte digital, cómo preservar lo efímero

¿Cómo se pueden conservar piezas creadas en soportes inestables?
¿Qué parte de estas piezas pueden preservarse y quién debería hacerlo?
¿Cómo la necesidad de preservar el arte electrónica, el arte contemporáneo por excelencia, puede cambiar la relación entre artistas, curadores y consevadores?
¿Con qué medios cuenta América Latina?

Estas preguntas cruciales son el punto de debate de un seminario que tendrá lugar el miércoles 16 en el Espacio Fundación Telefónica. en Buenos Aires

Especialistas de España, Argentina y Chile estarán allí para intentar responder a estos interrogantes.

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Timenotes, obra de NetArt de Gustavo Romano, artista
argentino a la vanguardia de esta expresión.

La entrada es libre y gratuita y no se necesita inscripción previa.

Las tecnologías, veloces, no se demoran en crecer y generar nuevas modalidades de crear un arte que no se sitúa en un ningún sitio: el espacio virtual se discontinúa y cae. El debate no es menor: cómo preservar el arte por excelencia que caracteriza el siglo XXI.

¿O nos quedaremos sin registros de las creaciones de estos tiempos?

02/02/2008 - 20:30h Otra Bolivia


Charly Nijensohn, artista argentino residente en Berlín, estuvo trabajando en Bolivia -con la colaboración de Juan Pablo Ferlat y Teresa Pereda-, en el Salar Uyuni, el mayor desierto salar del mundo.

Allí capturó fotos para su Proyecto Polar, con el que recorre el mundo en búsqueda de los territorios más desolados, un viaje a los bordes imaginarios de la tierra, situados en distintas partes, siempre parecidos en sus tonos y en su sonoridad.

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El desierto, las salinas, los confines, zonas aparentemente deshumanizadas, donde los cuerpos se plantan como artificios, quiebres en un espacio que no los convoca.

Aquí las fotos que lo explican todo.

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Se ve el silencio.

©Fotos Gentileza Charly Nijensohn

16/01/2008 - 17:54h La irresistible atracción de un corazón de plástico


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Entre las galerías de arte de Le Marais, el barrio más movido de París, me planté de pura casualidad ante una vidriera detrás de la cual un corazón gigante -rojo, hecho de pequeñas piezas de plástico entretejidas- giraba suavemente.

Me dejé llevar por la imagen hipnótica y entré.
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11/12/2007 - 18:27h Te amo-Yo no

 

Desde ayer y hasta el próximo lunes 17 una pareja de performers realizará un experimento en la tienda trendy Solo Amor de Madrid.

Se trata de Siete intentos por separarse el uno del otro.El proyecto forma parte de Madrid Procesos 07, organizado por AVAM, con el apoyo de la Comunidad de Madrid.

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Los artistas holandeses Eva Schippers y Serge Lammerts se encerrarán durante 7 días en un espacio de 4 metros cuadrados

Durante esa semana completa los artistas vivirán juntos en una habitación minúscula y sólo tendrán una idea en la mente: cómo deshacerse de la otra persona y crear su propio espacio personal.
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11/12/2007 - 18:19h Te amo-Yo no

Desde ayer y hasta el próximo lunes 17 una pareja de performers realizará un experimento en la tienda trendy Solo Amor de Madrid.Se trata de Siete intentos por separarse el uno del otro.El proyecto forma parte de Madrid Procesos 07, organizado por AVAM, con el apoyo de la Comunidad de Madrid.

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Los artistas holandeses Eva Schippers y Serge Lammerts se encerrarán durante 7 días en un espacio de 4 metros cuadrados

Durante esa semana completa los artistas vivirán juntos en una habitación minúscula y sólo tendrán una idea en la mente: cómo deshacerse de la otra persona y crear su propio espacio personal.

Las acciones serán documentadas en vídeo e imágenes fotográficas.

El proyecto se basa en el estudio de las nuevas situaciones que se desarrollan en el mundo de la pareja, en las cuales cada una de las partes busca el equilibrio entre la convivencia y el amor y en las que el inevitable paso del tiempo va deteriorando las relaciones.

Eva Schippers y Serge Lammerts llevan trabajando juntos de manera regular desde hace tres años, en los que han desarrollado fundamentalmente un trabajo de performance de caracter social y humano.

Bajo el nombre de Atelier SEVA han investigado la delicada línea existente entre el deseo de “estar juntos” y la aparente imposibilidad de dejar de ser uno mismo por el otro. Estos serán los siete intentos por separarse que llevarán a cabo durante la semana:

1º Intento: durante el primer día los artistas trabajarán con prendas de ropa, construyendo una pared de tela que les separe.2º Intento: el segundo día, los artistas crearán una distancia fija entre ellos, valiéndose de diferentes objetos, para hacerles imposible su movilidad en el espacio.

3º Intento: durante el tercer día el espacio se organizará como un laberinto, donde los artistas serán como fichas de un juego.

4º Intento: el cuarto día, la acción consistirá en la rotura y reparación de vajilla domestica (platos y tazas).

5º Intento: se basará en la comida y el proceso de comer.

6º Intento: los artistas se pintarán el uno al otro utilizando el mismo color de la pared, logrando en ese proceso ‘borrarse’ mutuamente. En la pared opuesta del escaparate estará dispuesto un reloj que marcará el paso del tiempo al revés, simbolizando las memorias desvanecidas en su proceso de desaparición mútua.

7º Intento: durante el último día, se desarrollará una acción basada en el acto de verse y escucharse mutuamente.

¿Ganará el amor o la furia?

05/12/2007 - 14:56h Blog Civilización e Barbarie:”Traigan las tropas a casa”: un premio al pacifismo


 

Traigan a casa a las tropas, devuélvannos nuestros derechos, confíen en la gente”, dijo el artista inglés Mark Wallinger después de ser seleccionado para uno de los premios más controvertidos del mundo del arte, el Turner, que se adjudicó ayer y que recibió en la Tate de Liverpool -ciudad de la cultura europea 2008- de manos del Easy rider Dennis Hooper.

Wallinger conocido por recrear una protesta de un sólo hombre contra la guerra de Irak pidió, sin titubear, el regreso de las tropas.

El artista (Essex, 1959), se llevó el premio con State Britain, una meticulosa reconstrucción de la acampada pacifista frente al Parlamento en Londres del manifestante contra la guerra de Irak Brian Haw.

Wallinger y su State Britain, ganadora del Turner 2007
en ingles sin subtítulos, pero valen la pena ver los detalles de la obra


Sus contrincantes no eran menos comprometidos ni belicosos.
Veamos:
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05/12/2007 - 14:48h Blog Civilización e Barbarie:"Traigan las tropas a casa": un premio al pacifismo

 

Traigan a casa a las tropas, devuélvannos nuestros derechos, confíen en la gente”, dijo el artista inglés Mark Wallinger después de ser seleccionado para uno de los premios más controvertidos del mundo del arte, el Turner, que se adjudicó ayer y que recibió en la Tate de Liverpool -ciudad de la cultura europea 2008- de manos del Easy rider Dennis Hooper.Wallinger conocido por recrear una protesta de un sólo hombre contra la guerra de Irak pidió, sin titubear, el regreso de las tropas.

El artista (Essex, 1959), se llevó el premio con State Britain, una meticulosa reconstrucción de la acampada pacifista frente al Parlamento en Londres del manifestante contra la guerra de Irak Brian Haw.

Wallinger y su State Britain, ganadora del Turner 2007
en ingles sin subtítulos, pero valen la pena ver los detalles de la obra
Sus contrincantes no era menos comprometidos ni belicosos. Veamos:

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Iglesias y mezquitas de Nathan Coley
camuflan su poder con lonas circenses
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Un laberinto de Mike Nelson refleja
la indefensión de los marginados

El Turner es un premio otorgando a artistas menores de 50 años, sus ganadores suelen marcar tendencia en el arte contemporáneo “in progress”
Una tendencia cuya refinada sintonía con el mundo de hoy es para celebrar.

03/11/2007 - 12:48h La memoria como derecho humano

Civilización y BarbarieLa cita es el próximo miércoles 7 a las 6 de la tarde, allí donde la costanera porteña se junta con la calle Obligado, al costado de la Ciudad Universitaria. Exactamente en el predio junto al río donde se alza el Parque de la Memoria.

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A esa hora se inaugurará el Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado.

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Fotografías de Marcelo Brodsky

No es casual su emplazamiento junto al Río de la Plata: en sus aguas fueron arrojadas muchas de las víctimas a las que se recuerda.

La Comisión Pro Memoria nos explica que el monumento fue diseñado “como un corte, una herida abierta en una colina de césped. La intervención paisajística y el trazado recrean el esfuerzo necesario para la construcción de una sociedad más justa y la herida causada por la violencia ejercida por el Estado.

Los nombres de los detenidos desaparecidos y asesinados se asientan sobre estelas de pórfido patagónico a lo largo de un recorrido que comienza en una de las plazas y termina en la rambla, sobre el río. Un recorrido en rampa, procesional, lleva al encuentro con los nombres”.El parque consiste en un grupo de esculturas que apuntan a generar una reflexión en los visitantes en torno al pasado reciente.

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Obra de Dennis Oppenheim

Doce de ellas fueron elegidas mediante el Concurso Internacional “Parque de la Memoria” en el que se presentaron 665 proyectos, provenientes de 44 países.

Los artistas seleccionados fueron: Claudia Fontes, Marie Orensanz, Clorindo Testa, Marjetica Potrc, Dennis Oppenheim, Nicolás Guagnini, Germán Botero, Norberto Gómez, Grupo de Arte Callejero, Nuno Ramos, Juan Carlos Distéfano, Per Kirkeby ,Jenny Holzer, Rini Hurkmans, Leo Vinci, Roberto Aizenberg, Magdalena Abakanowicz y William Tucker.

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Boceto de la obra de Guagnini

De las todas ellas ya están emplazadas tres: la de William Tucker (El Cairo, 1935. Victoria 2001, hormigón blanco y piedra partida 7,60 x 6 x 1,30 m), la de Dennis Oppenheim (Washington, 1938. Monumento al escape 2001 1999, acero, vidrio coloreado y materiales varios 6 x 7 x 2,80 m) y la de Roberto Aizemberg (Entre Ríos, 1928, “Sin título”, 2003, bronce laminado 3,90 x 5 x 1,70 m).

Antes de fin de año, se inaugurará la diseñada por Nicolás Guagnini (Buenos Aires, 1966. 30.000 25 columnas de acero de aproximadamente 4 m de altura).

Dice Guagnini, cuya obra reconstruye el rostro de su padre desapareido, en la memoria sobre su proyecto: “A medida que el espectador se desplaza alrededor del cubo comienza a percibir fragmentos, e inclusive repeticiones y distorsiones del rostro, que aparece y desaparece alternativamente en el paisaje del río. Existe un punto de vista ideal que permite la reconstrucción del rostro, de la memoria. Como conclusión a mis motivaciones para realizar esta obra y participar de este concurso quiero señalar que, si bien creo firmemente que desde el campo del arte se puede aportar a la elaboración del inmenso trauma social ocasionado por el genocidio, la única verdadera justicia con la memoria de los desaparecidos es el esclarecimiento de su destino, caso por caso, y la punición legal correspondiente a los culpables, cualesquiera fuese su grado de participación.”

“Caso por caso y punición legal”: dos ideas que me gustaría que brillasen más allá del parque.

19/10/2007 - 12:46h León Ferrari: León de Oro en la Biennale de Venecia

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Ferrari -último a la derecha- y los otros premiados este mediodia en Venecia por Cristina Civale

Estoy aquí, en el Arsenal de Venecia, en la sala de prensa de la Bienal, en esta computadora en la que no emboco los acentos. Chiara Costa, del equipo de prensa tampoco me sabe decir como se ponen: entonces disculpas, hasta que no me encuentre con mi laptop, este post será sin acentos o con acentos tanos.

Ahora empieza la versión 2.0, con acentos, desde mi laptop.

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La Civilización Occidental y Cristiana -1965-

Tengo las manos calientes y el corazón que se me sale del cuerpo, estoy emocionada: León Ferrari, sin duda el artista visual argentino contemporáneo más talentoso, grosso, humilde, de choque y creativo, se llevó el León de Oro al “mejor artista presente en la muestra central de la Biennale”, en su edición 52, este mediodía en el Teatro alla Tese dell’ Arsenale di Venezia.

Más de trescientos invitados lo aplaudieron. Humilde y breve, agradeció a José Roca, Director de Arte del Banco de Bogota y director artístico de Phligrafika 2010 de Philadelphia, de manos de quien tomó el premio.

Las razones dadas: “ En el Arsenal se presentó un corpus de trabajo que ofrece algunos ejemplos de una larga carrera. El artista en cuestión continuó a desarrollar una práctica crítica en el contexto de una situacion política y social muchas veces adversa. Este premio se le entrega no sólo por su actitud ética y por su compromiso poíitico sino también por la relevancia estética contemporánea, inesperada para una obra que se ha desarrollado en los últimos 60 anios“(Tomada de la versión en italiano, la inglesa es ligeramente diferente).

Con sus ochenta y largos años, este premio no hace más que confirmar lo que ya todos sabemos y apreciamos de su obra. Que es monumental, poderosa, sin concesiones: su Cristo colgado en un avión de guerra (la obra que marcó un hito en su carrera y en el arte argentino), la obra llamada “La civilizacion occidental y cristiana”; sus recientes collages presentados aquí: una serie de falsas tapas de L’Osservatore Romano con frases de papas ilustradas con irreverentes obras de liturgia o fotografías de militares más su obra reciente en poliuretano constituyeron el corpus que impactó al jurado formado por Manuel Bora Villet, presidente y director del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona; Iwona Blazwick, directora de la prestigiosa galeria londinense Whitechapel; Abdellah Karroum, curador independiente de París y el ya mencionado José Roca.

Lo saludé entre el tumulto y ahora espero mientras termina su “pranzo” de honor con las autoridades de la Biennale a que me regale unas palabras. Pero conozco su parquedad y lo que ahora importa es este reconocimiento a su obra.

Este mismo mediodía recibieron premios el austríaco Andreas Fogarasi por la mejor participación en un pabellón nacional; Emily Jacir, jordana, recibió el Leon de Oro a la mejor obra de una artista menor de 40 años (ayer justamente comentaba que era una de las obras que más me había impactado, va en el próximo post una reseña sobre ella y fotos exclusivas); hubo una mención de honor para el bulgaro Nedko Salakov y el Pabellón de Lituania mereció el gran premio como pabellón de un país.

Cambio y fuera, perdón por las imprudencias gramaticales de la versión 1.0. (Ya resueltas, espero)

Felicidades al gran gran León!!!!!

Ps: Chiara me informa que Ferrari terminó por fin de almorzar, aquí ya son casi las 4 de la tarde, y ahora viene hacia la sala de prensa, generoso, a hablar un par de minutos… Espero…

PS 2: Luego de recorrer una vez más el pabellón donde se exhibe su obra, finalmente viene a mi encuentro. Ya van a ser las cuatro y media. Llega, acompañado de su mujer y de su hijo, feliz, más que feliz. Me deja que lo abrace esta vez y lo primero que me dice en italiano: “Yo soy muy malo -sono molto cativo-. Ahora después de esperar 87 años por fin llega este premio, el más grande. Me alegra pero también es una lastima: ya no habrá otra Venecia, debería esperar toda otra larga vida y sería muy aburrido”.

Espió el blog, se rió de su foto -gentileza de la Bienal- y dio una tácita aprobación. Luego se fue a seguir festejando con los suyos.

10/10/2007 - 16:41h ¿De qué hablamos cuando hablamos de erotismo?

“Seduced”

Así se llama la muestra más sexy del momento. Tiene lugar en Londres en la Barbican Art Gallery, en el centro de la ciudad.

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Nobuyoshi Araki, From Erotos, 1993.

Allí se presentan obras de artistas de todo el mundo. 300 piezas de erotismo que van de la pintura a la escultura; de las miniaturas indianas a las antiguas estatuas romanas, de la fotografía al grabado, cubriendo de este modo dos mil años de historia.

El hilo conductor de la exposición es el “sexo” entendido como “eros” y no como un ejercicio en sí mismo.

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Kitagawa Utamaro, Utamakura (Poem of the Pillow), New Year 1788.

De este modo, en la Barbican se pueden apreciar pinturas del renacimiento y del barroco, cerámicas chinas, instalaciones de arte contemporáneo y obras de artistas tales como Nobuyoshi Araki, Francis Bacon, Jeff Koons, Robert Mapplethorpe, Pablo Picasso, Rembrandt van Rijn y Andy Warhol, entre otros.

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Marlene Dumas, X-posure, 1999.

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Jeff Koons, Ilona on Top (Rosa background), 1990.

Un brecha que nos deja mirar el arte del placer, bajo la curaduría de Marina Wallace, Martin Kemp y Joanne Bernstein.

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Rembrandt van Rijn, The Monk in the Cornfield, 1644-1648

¿Cuál sería una definición aproximada al concepto de erostismo?

05/10/2007 - 17:39h Éramos tan guerrilleros

por Cristina Civale

Hace cinco años que Mariana Rondón viene trabajando en la película Postales de Leningrado que este sábado fue la ganadora del gran premio del Festival de Cine de Biarritz donde un jurado votó por unanimidad el premio, destacando la originalidad de los recursos narrativos.

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Así es, ficción, documental, animación confluyen en esta película en la que Rondón trata, también, de reconstruir su propia historia. Hija de guerrilleros venezolanos que no ganaron su combate pasó su infancia sin entender demasiado qué sucedía a su alrededor y al no entender sumó la falta de imágenes para la posteridad de esos años.

“También hice esta película porque no tenía fotografías de mi infancia, fue una manera de reconstruir para mi esos años y de inventarme mis propios recuerdos”. Rondón es egresada de la primera promoción de cine de la Escuela Internacional de Cine de San Antonio de los Baños, donde la conocí hace ya muchos años y donde formamos equipo e hicimos algunos videos más o menos olvidables.2006 la encontró en Buenos Aires donde realizó la postproducción de sonido que estuvo a cargo de Lena Esquenazi, cubana residente actualmente en Buenos Aires luego de un paso por el DF, también responsable del sonido de la última producción de Andres di Tella y de Evo, la película.

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Por lo demás, las animaciones, ideadas cuadro a cuadro por Mariana fueron concretadas por un team enteramente argentino capitaneado por Nacho Gorfinkiel, responsable de gráficas de VFX y de NonStop TV.

La película es a la vez dolorosa y poética, un canto de amor a esos padres que lucharon y perdieron y un grito de dolor por la tragedia que sus hijos vivieron sin comprender.

Rondón reconstituye la memoria fragmentada de una infancia angustiosa con una opción que basa su originalidad en el cruce de los recursos gramaticales de los que se vale.

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Este premio me “confirma que hay que arriesgarse a contar las cosas, a inventar estructuras, a no limitarse, porque para eso está la vida”, dijo la directora a AFP tras recibir el premio.

Aunque considera la polémica necesaria, Rondón señaló que su película cuenta una historia “más familiar que política” y que le “interesa como lugar de reconciliación, como lugar de encuentro, en un mundo tan polarizado” como el que existe hoy en Venezuela.

Los 60, años de guerrila, ilusión y esperanzas quebradas en toda América Latina. De luchas encarnizadas de un lado y de otro.

Tuve la oporturnidad de ver un primer corte aquí en Buenos Aires antes de que Rondón y su productora y aliada, Marité Ugás, volviesen a Venezuela y rescato el espírtu lúdico, aparentemente leve pero que sudan el afán de reconcilación de esos años color rojo sangre.

La película ahora sigue su gira por el Festival Los Angeles Latino, la Mostra de Sao Paulo y el Kolkata Film Festival de la india. Con estreno garantizado por el premio en Francia, aún no sabemos cuándo llegará a Argentina, aunque las tratativas arden para que llegue a nuestras pantallas antes de fin de año.

“Se fueron a salvar el mundo y los seguimos esperando” se lee en el afiche.

¿Cuánto tiempo durará la espera?

01/10/2007 - 13:39h Pensar la contemporaneidad: arte, burbujas y tinieblas en Buenos Aires

Ayer se inauguró oficialmente uno de los eventos de arte más importantes de Argentina, la semana de las artes.

Una suma imbatible las gallery nights + la noche de los museos.

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Así es, hasta el sábado 7 de octubre, se llevará por cuarto año consecutivo un evento que convoca a casi cien galerías de arte, cien museos y centros culturales que conformarán a lo largo de una semana, un circuito para trasitar visitas guiadas, ciclos de conferencias y diversas actividades vinculadas a la expresión artística.

El objetivo es claro: acercar al público a espacios de expresión artísticas concurridos, casi exclusivamente, por quienes frecuentan un circuito que podría tener mucho más convocatoria que la usual, desmoronar la idea de que el arte es para unos pocos y entendidos.

Un modo de que todos puedan pensar el arte, vivir la creación, acceder a donde antes no habían pisado o volver sobre espacios que hace tiempo no recorrían.

Esta semana festiva incluirá también una serie de conferencias. Dos de ellas plantean un pregunta que delinea y enfatiza la contemporaneidad del evento. Aquí van, para que bocetemos una respuesta:

Mitos Y Verdades De Invertir En Arte: ¿Tendencia, moda, negocio o pasión?
Galerías de Arte: ¿Espacios comerciales o reductos de experimentación? ¿Cómo es la relación de los artistas jóvenes con el circuito de exposición y ventas?

Y esta última pregunta la agrego yo: la realización de esta semana de arte a puertas abiertas es producto de la gestión del actual gobierno de la ciudad.
A quienes nos preocupa el arte, también nos inquieta no saber qué pasará con la cartera de cultura de nuestra ciudad donde su cabeza visible -el coleccionista Ignacio Liprandi- durante la campaña del futuro intentente, Mauricio Macri, fue borrada de un plumazo y dicen quienes saben que porque se atrevió a defender públicamente la unión civil de los homosexuales.

¿Seguirá el próximo gobierno con estas políticas de arte para todos?

O también con el arte habrá tolerancia cero (es decir, intolerencia hacia la diferencia).

Mientras la fiesta sucede, y los invito a celebrarla, también el mundo el arte trastabilla: otra nueva mudanza le espera al Museo de Arte Moderno -con sede aún incierta y lo peor, con su patrimonio de aquí para allá- y el Museo del Cine está muy cerca de convertirse en una ruina.

Esas son las dos caras de esta semana: burbujas pero también tinieblas.

Entonces: ¿tolerancia cero, pura demagogia o verdadera construcción?

El programa completo de esta semana del arte, si elegís las burbujas, lo podés consultar aquí.

15/09/2007 - 11:45h Alianza contra un mal evitable

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Fotografía de Carlos Oñatibia

El próximo lunes a las 7 de la tarde, los alumnos del último año de la carrera Gestión e Historia del Arte de la Universidad del Salvador -a cargo de Julio Suaya- junto con M.A.C.M.A. (Movimiento Ayuda Cáncer de Mama), presentan la exposición Mama.

Se trata de un proyecto artístico que busca concientizar acerca de la detección temprana de esta enfermedad.

Una de cada siete mujeres está en riesgo de contraerla, como así también, en una mínima proporción, puede darse en hombres.

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Obra de Fabiana Barreda

Once artistas plásticos -Yamandú Rodríguez, Nicolás Hardy, Tatiana Parcero, Fabiana Barreda, Dolores May, Maria Allemand, Lucila Heinberg, Carlos Oñatibia, Esteban Rivero, Darío Zana, Federico Minuchín- participan de la convocatoria, creando y donando obras para la muestra.

La venta de las mismas es a total beneficio de M.A.C.M.A.

La exposición podrá visitarse hasta el 12 de octubre en el Centro Cultural Caras y Caretas, Venezuela 370, en el mismo lugar donde se hará la presentación.

Seguramente estos egresados de la USAL darán que hablar como gestores culturales.

Una gran idea cero exhibicionista para cerrar la carrera.
Para mí, al menos, una bella promesa cargada de esperanza.

Una única objeción: el nombre de la muestra me parece poco feliz. Pero es nada con todo lo que ofrecen.

04/09/2007 - 19:13h Evita: la joya peronista

Civilización y Barbarie

Blog de Cristina Civale

 

Es lunes a la tarde. Parece primavera ya en Buenos Aires. “Un día peronista”, se hubiese dicho en otros tiempos o quizá se continúe diciendo por siempre.IMG_3113.JPG
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Entonces hoy es un día perfecto para ir al Museo Evita, aunque sea lunes y esté cerrado.
Pero tengo el privilegio de estar invitada a los retoques finales del montaje de la muestra que Marcelo Toledo (Escobar, 1971), el joven y famoso orfebre, está montando en dos salas.

El miércoles 5 se abrirá al público con entrada libre y gratuita su muestra Evita: figura, mujer y mito. Allí Toledo a través de más de cien objetos de orfebrería -recreaciones de joyas, objetos y vestidos usados por Eva Perón- da cuenta de la tranformación que convirtió a una actriz de reparto primero en la primera dama y luego en la abanderada de los humildes al mismo tiempo que tambien representaba, según Toledo, a un ícono del glamour que sólo se vestía con Dior y Balenciaga y compraba joyas Van Cleef.

Luego de más de un año de investigación su trabajo espera dar cuenta de este tránsito: de María Eva Duarte a Eva Perón a Evita.

La primera vez que visité el Museo, en invierno de 2005, me pareció un lugar desangelado. La escritora Claudia Soria presentaba allí su libro Los cuerpos de Eva.

Recién hace algo más de un año, cuando Claudia Aboaf y Daniel Cid, tomaron la concesión del restaurante con un patio de ensueño, el lugar remontó vuelo y se convirtió en una parada obligada de turistas y de porteños bien informados en lides gastronómicas.

Poco después comenzaron las muestras temporales. La que dio envión al espacio fue sin dudas la de Daniel Santoro y más recientemente la de Nora Iniesta.

Pero todo indica que la de Toledo, será la muestra consagratoria que anclará el espacio definitivamente en el imaginario de la ciudad.

Así es, con el objeto de brindar una mirada contemporánea acerca de cómo se transformó la actriz María Eva Duarte en Evita, Toledo, el orfebre que se hizo famoso tanto por actualizar el arte de la orfebrería (sus mates parecen piezas de art nouveau) como por inventar los regalos de los últimos presidentes a los reyes de España e Inglaterra, preparó una exposición de piezas de plata y oro inspiradas en su figura. Aros, broches y collares entre otras joyas. Se exhibirán, también, interpretaciones en metal de la iconografía y gráfica peronista: gigantografías de Evita en plata, una línea de piezas basada en fragmentos de los discursos, además de obras inspiradas en su vestuario.

Con ella Toledo, que cuenta entre sus clientes a numerosos políticos pero que se declara poco interesado en la política, espera dar el gran salto internacional. La muestra girará a partir de octubre por distintos espacios de Europa.

-¿Por qué Evita?-le pregunto.
-Porque estaba buscando una muestra con un personaje que me permitiera trascender la fronteras- me responde.
-¿Entonces tu dilema estaba entre hacer una muestra sobre el Che, Gardel o Evita?
-De ninguna manera, por mi tipo de trabajo, Evita es perfecta. Ella representa todo el glamour, cosa que no tiene ningún otro personaje argentino de su envergadura.

La exposición, que está declarada de interés cultural por la Secretaría de Cultura de La Nación y la Secretaría de Turismo de La Nación, podrá verse durante todo el mes de septiembre en el Museo Evita, esa casona construida en la primera década del siglo pasado para albergar a mujeres del interior del país en su paso por Buenos Aires.

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29/08/2007 - 16:08h Caetano: tan cerca de la vida

Caetano en Buenos Aires

del Blog de Cristina Civale

¿Hay alguna expresión artística que produzca más emoción y energía en el momento mismo de sentirla en vivo que la música?

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Ayer estuve en el concierto en el Gran Rex de Caetano Veloso.

Presentó su último disco y pude comprobar una vez más que más allá de ser una cinéfila empedernida, una curiosa de las artes visuales, una lectora actualizada y ávida, nada me conmueve más, a fondo, desde las tripas que un concierto que me da vuelta.

Ni siquiera el teatro.

Ayer Caetano, en dos horas sin parar, presentando su nuevo álbum pero también haciendo clásicos, festejando su envío número 40, vestido de jeans, pantalón y campera y remerita azul, tono sobre tono, zapatillas y una banda de tres músicos jóvenes.

Me hicieron feliz, así simplemente.

No encuentro, yo al menos, ninguna expresión artística que me ponga tanto como la música.

Caetano en otras época, tan mágicas y exquisitas como siempre.¿Hay algo que la supere?¿Qué produzca esa rara alegría de gente que se mira sonríendose sin conocerse, llorando en un guiño?

La música, los conciertos: tan cerca de la vida.

Para escuchar los samples del CD completo, click acá.

Hoy y mañana siguen en el Gran Rex.

23/08/2007 - 11:49h 39 x39

Civilización y Barbarie de Cristina Civale

Desde hoy y hasta el 26 de este mes, 39 escritores latinoamericanos menores de 39 años debatirán en Bogotá en el marco de Bogotá Capital Mundial del Libro 2007 sobre literatura, sociedad y cultura.

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Alguna de las preguntas que contestarán a lo largo de mesas redondas y encuentros con el público serán: cómo y sobre qué escribimos, qué está pasando en la literatura de América Latina y qué escritores nos formaron, entre otros. Aquí va la lista completa de escritores participantes. Por Argentina, estarán presentes: Pedro Mairal, Gonzalo Garcés y Andrés Neuman.

Siempre me pregunté, por qué no rankean en este tipo de encuentros los mayores de 40.

¿No está sobrevalorada la juventud? ¿Qué clase de línea imaginaria se traza con la edad y sobre todo para qué?

En formato pdf. podés bajar la primeras palabras de estos escritores elegidos por Piedad Bonnett, Héctor Abad Faciolince y Óscar Collazos.