O fotógrafo George Zimbel (78 anos) é o autor da foto de Marilyn Monroe com o vestido levantado pelo vento de uma tubulação. Atualmente ele exibe suas obras em todo o mundo. George Zimbel expôs recentemente em Barcelona sobre a fotografia documental nos EUA e no Canadá. De origem norte-americana, ele mora em Montreal desde 1971. Ele fotografou muitas personalidades como Harry Truman, John e Jacqueline Kennedy e muitos outros. Ainda está muito ativo na profissão. Ele continua produzindo fotos em seu estúdio em Montreal. Ele trabalha somente em película usando uma Leica M4. Leia mais: http://georgezimbel.com/

Fonte Images & Visions

Anomalías y FLAP 2.0 08 por Alan Mills (blog Revolver)

{n} Siempre me he considerado un ser anómalo. Lo dije recién, en Guatemala, durante un conversatorio sobre la exposición Mundo Capitol y me quedé helado al ver a varias personas asintiendo desde el público. Ay. A veces esperas que te digan “no Alancito, usted es bien normal, mijito”. Pero no existe entidad más sincera que un público concentrado en lo que les estás hablando. Se los digo.

Imágenes: Alessandra Cestac, Cildo Meireles, ww.literaturaguatemalteca.org, fragmento de Purgatorio y afiche de la FLAP por Jozz.

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Dice Julio Sánchez, curador de la muestra del artista Gabriel Perrone, que hoy se inaugura en la galería porteña Isidro Miranda:

“El pasto aplastado lo confirma, había faunos descansando en el bosque. Se los puede espiar sin que se den cuenta; uno de ellos duerme, deja caer su mano inerte sobre el pecho, los dedos le rozan la piel. Muestran sus cuerpos lampiños, apenas dorados por el sol, seguramente por estar más acostumbrados a la noche que al día; carecen de adornos, excepto por aquel que lleva un anillo en su dedo pulgar, o por los cuernos de carnero que nacen en la sien, algunos incipientes –suponiendo que es un fauno joven-, otros más fuertes y replegados sobre sí mismos. Ellos viven en una dimensión impenetrable para el mortal y sólo la pintura de Gabriel Perrone nos permite acceder de a partes a ese universo.

Como aquellos cronistas de Indias que dibujaban las maravillas y monstruosidades de un continente desconocido, Perrone se permite pintar aquellos seres de fantasía y apunta al alivio del músculo, a los ojos recién abiertos mientras la cabeza descansa todavía sobre el antebrazo. Nuestro pintor no los retrata a la manera de Rubens, en una descomunal correría, sino en el sosiego de la siesta y en la atmósfera particular de estos seres que no parecen concentrarse en ninguna tarea más que el propio acontecer, cautivos de su propia existencia. El lugar y el mundo es para ellos una misma cosa.

La quietud de los cuerpos contagia a los arbustos y a los pastos, pero algo hace suponer que la correría ya tuvo lugar, que aquellas criaturas míticas se dispersaron en el bosque en busca de regocijo y cayeron en la tierra para tumbarse sobre el pasto fresco y abundante. Si están juntos, parecen ignorase uno al otro, como si una larga convivencia los hubiera ido cerrando a sí mismos, como si se hubieran olvidado uno del otro. Quizá por esta razón, Perrone -el cronista de este Edén- es medido en la descripción y abundante en la sensación. ¿Qué idioma hablan los faunos? Según la pintura de Perrone, pareciera que no necesitan palabras, que la mansedumbre de aquellos ojos fuera suficiente para entenderse e interrogarse. Lo mismo sucede con el gesto de las manos, que caen sobre los cuerpos con despreocupación infantil, abandonadas, dispuestas a dejarse moldear.

Las pinturas que presenta Perrone se reservan la libertad de desafiar las leyes del mundo de los mortales y de vivir una vida diferente a la de los demás, la vida de un fauno, y de esa diferencia emana una especie de bondad. Nuestro artista retrata cuerpos de faunos, pero sobretodos las cosas, los vestigios de un paraíso indescriptible”.

Bonus track: el sábado 5 la revista Ramona invita a una conferencia dramatizada con la presencia de Gustavo Marrone Y la ausencia de Javier Peñafiel. Será en la sede de la Fundación Start, Bartolomé Mitre 1970 5ºB a las 7.30pm.Fonte Cristina Civale - Civilización & Barbarie

O novo Ministro de Turismo, Luiz Barreto, está de parabéns. Reafirmou com determinação a política desenvolvida por Marta Suplicy no setor e particularmente o fim da discriminação para com São Paulo. Contrariamente a pratica do governo FHC que sonegou recursos para São Paulo na época em que Marta Suplicy era prefeita, o dinheiro federal continuará jorrando para São Paulo como tem sido praxe no governo Lula. Não só no turismo, mas no transporte, na segurança, no Rodoanel e na educação o investimento do governo federal é pesado em beneficio da população de São Paulo, mesmo administrada por forças da oposição. LF

MARY PERSIA
Editora de Turismo da Folha Online

O ministro do Turismo, Luiz Eduardo Barretto, afirmou nesta quarta-feira que manterá as políticas do setor criadas por sua antecessora, Marta Suplicy (PT).

Recém-empossado, Barretto, antigo secretário-executivo do ministério, deve continuar a destinar boa parte das verbas da pasta a São Paulo, que ocupa o topo do ranking dos Estados na liberação de verbas do ministério –na gestão do antecessor de Marta, Walfrido dos Mares Guia (PTB), a liderança era ocupada por Minas Gerais, Estado natal do ex-ministro.

“São Paulo é o maior emissor de turistas do país. É normal que se destaque”, afirmou o ministro no parque de exposições do Anhembi, onde ocorre o 3º Salão de Turismo - Roteiros do Brasil. “Mas atendemos todos os Estados. Ceará, por exemplo, foi campeão de verbas para infra-estrutura”, concluiu.

Segundo Barretto, a possibilidade de alterar a destinação das verbas é remota. “Não é simples. Trabalhamos com emendas e não podemos alterá-las.”

Marta deixou o ministério no início do mês para disputar a Prefeitura de São Paulo. Ela permaneceu no cargo durante um ano e dois meses.

Exposição realizada em São Paulo reúne atrativos turísticos de todos os estados brasileiros, onde serão apresentados 81 novos roteiros

Começa nesta terça-feira (17), em São Paulo, o 3º Salão do Turismo – Roteiro do Brasil. Trata-se do maior evento do setor no País, onde estarão reunidos representantes dos 26 estados e do Distrito Federal, distribuídos por 35 mil metros quadrados do parque de Exposições do Anhembi. A exposição será inaugurada pelo ministro do Turismo, Luiz Barreto.

O visitante irá conhecer os melhores roteiros turísticos do País, a diversidade da gastronomia, as manifestações artísticas e culturais, o artesanato e os produtos da agricultura familiar. Até domingo, será possível fazer uma “Viagem por todo o Brasil em um só lugar”, como sugere o tema desta edição do salão. “Na área de omercialização vão estar à disposição do turista as operadoras, agências de viagens, hotéis, locadoras de automóveis, empresas de transporte aéreo, enfim, todos os setores que ajudam a fortalecer o nosso produto turístico, para que o visitante do Salão programe sua próxima viagem”, afirma Barreto.

Novos roteiros - O Salão, uma iniciativa do Ministério do Turismo, foi criado como estratégia para impulsionar o Programa de Regionalização do Turismo – Roteiros do Brasil. É considerado o maior evento do setor do País por reunir os atrativos turísticos de todos os estados brasileiros, incluindo roteiros, gastronomia, manifestações culturais e artesanato. Além disso, promove negócios e, nesta edição, o visitante poderá comprar pacotes, a preços e condições especiais, para sua próxima viagem. Serão apresentados 81 novos roteiros espalhados pelas cinco regiões do Brasil.

A expectativa do Ministério do Turismo é de que essa edição supere o público de 109,4 mil visitantes registrado no segundo salão, em 2006. O público poderá ainda assistir palestras de temas ligados à cadeia do turismo, que emprega hoje mais de seis milhões de pessoas.

A primeira edição do Salão do Turismo foi realizada em 2005. Na montagem de 2006, o evento apresentou ao público 396 roteiros (de 149 regiões turísticas e 1.027 municípios), identificados pelas Unidades da Federação, sob a orientação do MTur. Para saber mais, acesse a programação do Salão no site www.salao.turismo.gov.br.

Embratur - Sempre com foco na promoção do Brasil no exterior, a Embratur (Instituto Brasileiro do Turismo) preparou uma série de ações que acontecem durante o Salão do Turismo. O objetivo é mostrar os destinos e a infra-estrutura turística nacional para jornalistas e operadores estrangeiros, além de apresentar aos brasileiros o que o Instituto tem feito para promover o país no exterior.

Uma das principais ações da Embratur durante o evento é a exposição “O Brasil Sensacional pelo olhar do turista estrangeiro”, que ficará aberta durante todo o evento e levará o público, através de uma linha do tempo, a evolução das ações de promoção internacional do Brasil desde 2003. A idéia é mostrar como o turista estrangeiro enxerga o Brasil e como a Embratur trabalhou as mensagens de comunicação para este público no período de 2003 a 2007. Fonte Portal do governo federal.

Folha de São Paulo

di cavalcanti

Picasso inspirou “Mulheres na Janela”, de 1926

FABIO CYPRIANO - FOLHA SP
DA REPORTAGEM LOCAL

“Mulheres na Janela” (1926) é uma pintura bastante representativa do conjunto da obra de Di Cavalcanti, conhecido por ser o “pintor das mulatas”. Ela foi realizada sob o efeito de sua estada em Paris e revela uma grande influência de Pablo Picasso.
As duas mulatas ocupam o primeiro plano da obra, num tipo de composição que lembra “Les demoiselles d’Avignon” (1907), obra-prima do espanhol, que retrata cinco prostitutas e inaugura o estilo denominado cubismo.
Em sua obra, Di Cavalcanti não é tão radical para distorcer as figuras, mas o tom avermelhado da tela propicia um caráter sensual às mulheres que, com maquiagem carregada e roupas decotadas, sejam possivelmente também prostitutas.
Esse conjunto figurativo contrasta com o fundo geometrizado, que ressalta ainda mais os corpos arredondados das mulatas.

picasso

“Minotauro” e “O Pintor” são de fases distintas

DA REPORTAGEM LOCAL

“Minotauro, Bebedor e Mulheres” (1933) e “O Pintor e seu Modelo” (1963) representam fases distintas na obra do espanhol Pablo Picasso. A primeira aborda a figura mítica, representada pelo minotauro, com quem o artista se identificava.
Esse tema surge em sua obra em 1928 numa convergência de estilos, mas especialmente vinculado com o surrealismo, e suas abordagens do desejo e da sensualidade, que são questões exploradas em suas obras com os minotauros, portadores de forte energia sexual.
Já “O Pintor e seu Modelo” faz parte de um grande ciclo de Picasso, que trata da arte, sua história e seu contexto. Essa fase costuma ser denominada como “Os últimos anos”, quando ele já não tinha mais Paris como seu centro produtor.
Nessa fase, ele recria obras de grandes mestres como “O Piquenique na Relva segundo Manet”, em 1961. (FCY)

segall

“Casal” retrata Lituânia após a 1ª Guerra Mundial

DA REPORTAGEM LOCAL

“Casal” (1919), de Lasar Segall, é uma obra que retrata o ambiente trágico de Vilna, na Lituânia, cidade natal do artista, após a Primeira Guerra Mundial, que ele havia visitado no ano de realização desse guache.
Pessoas com cabeças de dimensões exageradas e expressões trágicas vão compor também outras obras dessa fase, como “Duas crianças” (1920), que também pertence à Coleção Nemirovsky, proprietária de ao menos oito obras do artista.
“Casal” tem as características do movimento denominado expressionismo -a crítica social é uma delas, criado, entre outros, pelo grupo Secessão de Dresden, em 1919, que teve em Segall um de seus fundadores.
Em 1913, seis anos antes de concluir “Casal”, Segall já havia passado pelo Brasil. Suas exposições, então realizadas em São Paulo e Campinas, são consideradas marcos do modernismo no país. (FCY)

Mostra no Tomie Ohtake destrincha relações diversas entre as duas culturas

Camila Molina - O Estado de São Paulo

‘Já foi o tempo que a cultura do Japão era diferente, hoje o Brasil é nipônico’, defende Paulo Herkenhoff, curador da exposição Laços do Olhar, que será inaugurada hoje para convidados e amanhã para o público no Instituto Tomie Ohtake. No ano em que se comemora o centenário da imigração japonesa no Brasil, não faltam exposições que exploram a relação entre os dois países, mas Laços do Olhar tem o fôlego de adentrar em campos ricos e variados do entrelaçamento das duas culturas. ‘Existe uma tendência na historiografia de depositar os laços entre o Japão e o Brasil apenas nos pintores japoneses. Acredito que gerações mais novas queiram trocar essa idéia’, diz Herkenhoff, que propõe com essa ampla exposição provar que as duas culturas se entrelaçam em produções artísticas de diversos gêneros, épocas (do século 19 à contemporaneidade) e os criadores de maneira muito mais profunda do que se imagina.

O japonismo do século 19, ‘resposta da Europa à abertura do Japão’, como contextualiza Herkenhoff, teve também na época seu reflexo no Brasil (mesmo antes de aqui aportarem os primeiros imigrantes a bordo do navio Kasato Maru, em 1908). O pintor Eliseu Visconti (1866-1944), por exemplo, realizou em 1893 (antes de viver em Paris) a tela Menina com Ventarola: Estudo de Nu, em que a figura feminina segura o objeto japonês. Mas não apenas isso. Visconti mesmo foi um colecionador de gravuras japonesas - há várias de sua ampla coleção na mostra - e estudou, como poucos, certos elementos da milenar cultura para transpor para suas obras - como os desenhos de movimentos de mãos das mulheres japonesas e de motivos florais (dialogando com obras de Massao Okinaka) e lanternas vermelhas.

Indo ainda adiante, há um momento importante na exposição, dedicado à questão da identidade. Na primeira sala do instituto o curador reúne um conjunto de telas de Anita Malfatti, artista do primeiro modernismo brasileiro. Seus quadros O Japonês (1915/16) e O Homem Amarelo (da mesma época) remetem à idéia ambígua do ocidental pintando, de amarelo, o homem oriental. Ao mesmo tempo, depois dessas obras, estão telas realizadas a partir dos anos 1920 por artistas japoneses que no Brasil aportaram. Neles se fazem presentes duas questões importantes: a presença do auto-retrato como busca de deixar registrado um nome e um rosto (destaque para o de Takaoka) e das paisagens, o que remete à idéia de reconhecimento do novo país em que os imigrantes vivem.

Mas o curador optou por não estabelecer ‘uma narrativa’ cronológica das relações artísticas entre os dois países e sim explorar núcleos em que ora os entrelaçamentos são mais nítidos, ora mais sutis - o que também permite certos encontros sob uma visão mais poética, como no segmento que representa a relação geográfica e cósmica entre os dois países (enquanto é dia no Japão, é noite no Brasil), com obras de Oscar Oiwa, Rego Monteiro e Naiah Mendonça,

De certa maneira, então, a obra O Helicóptero (1969), de Duke Lee (grande homenageado da mostra), raramente vista, transforma-se em ícone de Laços do Olhar: a instalação é formada por um painel contínuo em espiral em que estão colocadas imagens num ‘pot-pourri internacional’. ‘É como um vórtice, um movimento imaginário em que as coisas são levadas, transformadas, se encontram e se distanciam’, diz Herkenhoff.

Sincretismos e correspondências vão, enfim, acontecendo por meios diversos: na poesia (há os célebres haicais de Haroldo de Campos ilustrados por Tomie Ohtake e obras do poeta curitibano Paulo Leminski); na fotografia, na arquitetura, na cerâmica (belas peças do sumiê e esculturas de Kimi Nii), pintura, etc. Na mostra estão, por exemplo, fantasias de carnaval e desenhos do desfile da escola Porto da Pedra, que neste ano teve como enredo a imigração japonesa; desenhos animados japoneses; o erotismo por meio das gravuras Shunga e as fotografias contemporâneas de Nobuyoshi Araki; a referência à tatuagem (irezumis) nas obras de Adriana Varejão e Wakabayashi; o diálogo dos bichos de Lygia Clark com os origamis.. . Há até a Hello Kitty, simbolizando o pop e talvez o processo de despolitização pós-Guerra - a única obra política da mostra, segundo o curador, é o arquivo com a documentação da ação polêmica que Yuri Firmeza realizou em 2006 no Museu de Arte Contemporânea do Ceará, quando criou a figura de um artista japonês fictício, Souzousareta Geijutsuka.

Serviço

Laços do Olhar. Instituto Tomie Ohtake. Av. Faria Lima, 201 (entrada pela Rua Coropés), Pinheiros, 2245-1900. 3.ª a dom., 11 h às 20 h. Grátis. Até 10/8. Abertura hoje, 20 h,para convidados

Les Combines de Robert Rauschenberg

Rauschenberg “Charlene” 1954

“Je désire intégrer à ma toile n’importe quel objet de la vie” Robert Rauschenberg

Après avoir étudié l’art aux Etats-Unis et à Paris, Robert Rauschenberg (né en 1925) expose pour la première fois ses tableaux en 1951. Il s’agit alors de monochromes, les White Paintings. En 1952 il entreprend d’effacer à la gomme un dessin de Willem de Kooning (c’est le scandaleux Erased De Kooning drawing), figure emblématique de l’expressionnisme abstrait qui dominait l’art américain de cette époque. Il rencontre John Cage et Merce Cunningham au mythique Black Mountain College en Caroline du Nord, et fait la connaissance de Jasper Johns à New York. Il se lie d’amitié avec le peintre Cy Twombly avec qui il voyagera en Europe et en ‘Afrique du Nord et avec qui il exposera en 1953 à New York, à son retour aux États-Unis.

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Blog A Francesa de Mário Camera

Do lado de fora da Biblioteque Historique de la Ville de Paris (BHVP) caem gotas frias de uma primavera que não se esforça para chegar. Do lado de dentro, penduradas na parede, três jovens francesas sorriem para uma lente que já não existe mais. Bem vestidas e bem penteadas por trás de modernos óculos de 1943. O sol bate em seus rostos. Elas estão felizes e a França, ocupada pelos nazistas.
A mais polêmica exposição dos últimos tempos em Paris traz dezenas de fotos da capital feitas por André Zucca durante o período da ocupação (1940-1944). O que se vê é alegria, elegância e uma vida que parece ter sido inventada para uma bizarra colagem dentro de uma Europa sangrando por causa da Segunda Guerra Mundial.
Antes da ocupação, Zucca trabalhava para várias publicações, entre elas a Paris Match. Quando a França capitulou, ele foi “convocado” pelos nazistas para ser fotógrafo da Signal, publicação bimestral que circulava pelos países dominados pelo Terceiro Reich. A colaboração com o regime nazista é uma das acusações dos detratores da exposição. O que não se vê nas fotos de Zucca é a outra. Filas para comprar comida, execuções de resistentes, abrigos antiaéreos lotados não estão pendurados nas paredes da BHVL.

A exposição “Des Parisiens sous l’occupation” está dividida por bairros e nenhuma das fotografias foi publicada na Signal. Entre as salas, aparecem cartazes de filmes franceses exibidos durante a ocupação. Não é difícil encontrar oficiais nazistas, com seus uniformes cinza, passeando durante o que parece ser um ensolarado domingo de primavera.
É estranho percorrer as ruas de Paris nas fotografias de Zucca. Os clichês contrastam ruas vazias e aglomerações estivais em torno do Sena. Enquanto uma velha judia caminha por uma quase deserta Rue de Rivoli portando uma estrela de David costurada na roupa, dezenas de pessoas se espremem em uma piscina montada na beira do rio.
Diante do bombardeio de críticas causado pela felicidade, o prefeito da capital, Bertrand Delanoe, decidiu entrar no jogo e cedeu, em parte.

Os cartazes que promoviam a exposição foram retirados das ruas, o nome da mostra foi trocado e o visitante recebe um aviso antes de entrar na sala. Um texto traduzido em cinco idiomas explicando que o que se vê emoldurado é apenas uma parte da sociedade aproveitando os anos de ocupação. As medidas só fizeram crescer a curiosidade pela mostra. A pequena BHVP estava lotada na última terça-feira.
Des Parisisiens sous l’occupation toca em um assunto sensível para os franceses. A colaboração com o regime nazista é um órfão inoportuno que passa de braço em braço, acompanhado de uma expressão clássica por aqui: “c’est pas ma faute”.

Quase no final da exposição, talvez adivinhando algo no meu olhar, um velho meio surdo, que tinha “16,17” anos durante a ocupação, me pergunta se eu entendo uma das fotos. Digo que estou tentando entender tudo aquilo e pergunto se existia aquela felicidade emoldurada. Ele não entende direito, não sei se por causa do meu francês ou por sua surdez. Mas diz: eu estou feliz. Acho que os estudantes deveriam ver isto. Eu concordo com ele.

Serviço:
“Des Parisiens sous l’occupation”
Bibliothèque historique de la Ville de Paris
22, rue Malher (4e)
Até 1 de julho.

Masats sem afición

Ramón Masats, Madrid, 1957
(© Ramón Masats)

O jornalista do El Mundo Antonio Lucas e o fotógrafo catalão Ramón Masats (Caldes de Montbui, 1931) encontraram-se num café barulhento do bairro madrileno de Salamanca. Falaram sobre fotografia, passado, livros e desencanto. O essencial dessa conversa está aqui.

“La realidad está ahí. No he visto más de lo que hayan podido observar otros. Una buena fotografía puede salir de cualquier cosa: de una boda, de un bautizo… No hace falta espectacularidad, sino profundidad… Pero yo ya me he cansado. He colgado las cámaras. Perdí la afición.”

Ramón Masats, El Mundo, 27.4.2008

navegar

A Photographers’ Gallery de Londres lançou no mês passado um novo site, um trabalho encomendado à empresa de webdesign Mind Unit. Creative. Para além da fidelização da comunidade ligada ao habitual circuito da fotografia, o novo portal quer ter uma palavra a dizer na formação de novos públicos, desenvolvendo materiais específicos (Exhibition Notes) para professores e outros líderes de grupos. Há também uma aposta grande na venda directa de provas fotográficas (Print Sales Section) com um grupo alargado de artistas que disponibilizaram o seu trabalho. Ainda na área do coleccionismo, a Photographers’ Gallery fornece aconselhamento sobre os melhores investimentos e a melhor maneira de começar a juntar imagens fotográficas.
O destaque da página passa sempre pelas exposições patentes e a navegação é muito intuitiva.Para navegar pela Photographers’ Gallery clique aqui.

Membro da Pop in Upper School, Eton, 2006/2007
(© Ian Macdonald)

Post de Sérgio B. Gomes

Cristiano Romero e Claudia Safatle - VALOR

A ministra-chefe da Casa Civil, Dilma Rousseff, informou que o governo exigirá transferência de tecnologia das empresas estrangeiras que participarem do projeto de implantação do trem de alta velocidade (TAV) no Brasil. Este será um dos temas da viagem que a ministra fará, a partir de amanhã, à Coréia do Sul e ao Japão, dois países detentores de tecnologia nessa área. Lá, ela vai se reunir com empresários e autoridades governamentais para tratar do assunto.

Em entrevista ao Valor, a ministra explicou que os estrangeiros interessados no negócio, estimado entre US$ 8 bilhões e US$ 11 bilhões, terão que necessariamente firmar parcerias com empresas brasileiras para o projeto. O trem de alta velocidade vai ligar Campinas (SP) a São Paulo e a capital paulista ao Rio de Janeiro - o projeto inicial envolvia apenas as capitais.

Para haver transferência de tecnologia, disse a ministra, é preciso ter companhias brasileiras envolvidas na obra. “O Brasil está demandando um trem-bala. A troco de quê eu desvio para o exterior toda a demanda? Uma parte eu tenho que desviar porque talvez não valha a pena produzir aqui dentro por não ser viável do ponto de vista econômico. Mas, e o resto, que temos ‘know-how’ para fazer?”, indagou a ministra.

O plano do governo é obter transferência de tecnologia nas áreas que considera mais importantes do projeto do TAV - trilho, material rodante, sistema operacional e operação. Segundo Dilma, o governo apoiará as empresas nacionais a se prepararem para futuras parcerias com o grupo estrangeiro que ganhar a licitação.

“Vamos ter que fazer um trabalho com essas empresas e, quando formos promover o leilão, teremos que ter um item dizendo que, quem ganhar a licitação, a condição prévia para participar do projeto será fazer transferência de tecnologia. Vi modelo similar na Coréia. O chinês também é assim e o de Taiwan é uma variante”, comparou a ministra. “As empresas brasileiras terão, obrigatoriamente, algum nível de participação. Em algum momento, elas terão que ter contato com a empresa privada internacional”, acrescentou.

Na opinião da ministra, o Brasil tem empresas em condições de participar do projeto do trem-bala. Desculpando-se por não se lembrar de todas, ela mencionou a CSN e o Grupo Gerdau na área de trilhos. No que diz respeito a material rodante, citou a Cobrasma (Companhia Brasileira de Materiais Ferroviários) e, no de vagões, a Maxion.

O país já está se beneficiando da transferência de tecnologia, disse a ministra, no caso da indústria naval. No Rio Grande do Sul, assinalou, empresas de Cingapura estão construindo cascos de navio em série num projeto apelidado de “dique seco”. “Essa é uma boa experiência. Quando pensamos em construir isso no Brasil?”, indagou.

A ministra quer dar agilidade ao projeto do trem-bala. A despeito do pessimismo que ronda a obra, ela disse que o governo fará um “esforço enorme” para o projeto estar em pleno funcionamento durante a Copa do Mundo de 2014, cuja sede será no Brasil.

Dilma informou que já está definido que o projeto contemplará dois trechos básicos - Campinas-São Paulo e São Paulo-Rio, com ligações aos principais aeroportos das três cidades. Haverá linhas ligando essas cidades ponto-a-ponto e também com paradas ao longo do trajeto. Não está decidido ainda se o projeto será viabilizado por meio de Parceria Público-Privada (PPP) ou de uma concessão.

Representantes de empresas da Alemanha, Itália, Japão e Coréia procuraram o governo brasileiro para mostrar as vantagens de suas tecnologias. O governo já decidiu, porém, que não escolherá, a priori, como fez em relação ao padrão da televisão digital, uma tecnologia específica. “Olhamos todas as exposições e chegamos à conclusão de que o que temos que fazer é estruturar uma licitação que deixe a tecnologia em aberto”, revelou.

Por Daniel Molina - Para LA NACION - BUENOS AIRES

En sí misma, la vida es informe y repetitiva. Abandonada a su propia dinámica, conduce al callejón sin salida del absurdo. Para no sucumbir en el nihilismo, los hombres aprendieron a inventarle sentidos al mundo. A veces, la máquina que puso en movimiento el sentido del mundo fue la religión (como en la Europa de la Edad Media). Otras, la máquina fue movida por la política (como durante la Revolución francesa o las guerras americanas de Independencia). En las últimas décadas, es el arte el que pone en movimiento la gran máquina del sentido del mundo.

A pesar de los enfrentamientos religiosos y políticos que hay en el planeta, todo lo que hoy sucede ocurre sobre el amplio escenario de la libertad, la patria del arte. Danza de las apariencias y las transformaciones, el arte es siempre un fluyente estado mental que se condensa en una obra. Manifestación visible de este estado de la mente es la sofisticada producción que presentan en paralelo Flavia Da Rin y Leo Estol.

Con el título El misterio del niño muerto , Flavia Da Rin muestra una serie de fotografías y dibujos que la tienen como protagonista excluyente e intérprete de todos los papeles: tanto del niño convaleciente como de las hadas negras. El coro doliente que retrata Da Rin escenifica, a la vez, una pérdida y la frivolidad que forma parte ineludible de la conducta humana. Si el fasto mortuorio es antes que nada una teatralización (”un entierro- vernissage “, dice Inés Katzenstein en el catálogo), eso se debe a que toda acción humana es esencialmente ridícula.

“La muerte y la masturbación son los últimos tabúes que nos quedan: se trata de situaciones ridículas que no pueden verse sin sonrojarse. No encajan en esa estetización total que promueve nuestra cultura de la imagen”, decía Philippe Ariès en el prólogo de su monumental obra El hombre ante la muerte . Sin embargo, estas imágenes de Da Rin ponen en duda que la muerte todavía siga siendo un tabú. Perfumada y maquillada, la máscara mortuoria se ha transformado ahora en una metáfora del arte. Con ironía crítica, esta obra pop no cuestiona solo el mundillo frívolo que circula en torno a la producción estética y que tiene como ceremonia central el vernissage (el velorio), sino que expone hasta el hueso la propia práctica artística. La asociación poética entre arte y muerte no olvida que la tarea de producir sentido siempre es un poco falsa; tal vez porque debe creer en sí misma: creérsela. Para no morir (para no dejar de imaginar mundos nuevos), el arte llega al límite de celebrar su propio velorio.

En la otra sala de la galería, Leo Estol presenta su instalación La mañana del mundo . Aunque es una obra independiente, la instalación de Estol puede leerse en íntima relación con El misterio del niño muerto . Mientras que Da Rin presenta el resultado final, Estol muestra el proceso artístico en sí mismo.

Recorrer lo que a primera vista se presenta como un basurero posmoderno es una experiencia intensa: a través de las interacciones que el artista establece entre cientos de objetos diversos (desde trozos de tela hasta un teclado electrónico), frases aisladas, obras de otros artistas, fragmentos dispersos y citas literarias (más o menos reconocibles), se tiene una primera visión -no totalizadora, pero sí profunda- de la mente artística.

La instalación de Estol es un caos: presenta la materia cuando todavía no tiene forma. Nos permite entrar en la mente creativa para fisgonear el momento mismo en el que se establecen las conexiones y las desconexiones entre cosas y conceptos. Esas conexiones y desconexiones, tal como las muestra Estol, son dinámicas y están abiertas. Por eso, La mañana del mundo no acaba nunca (es una imagen acotada del infinito). Ese proceso en busca del sentido es un camino múltiple que puede ser recorrido en todos los sentidos.