Flor Garduño

Emmanuelle Bousquet – da serie Illusion

©juh moraes

Marta Gonçalves

Fonte Blog Olhares e Clepsidra

Pinacoteca apresenta retrospectiva da fotógrafa mexicana Graciela Iturbide

Pinacoteca do Estado/Divulgação

Pássaros. Fotografia realizada em Nova Délhi, na Índia, em 1998: realidade e representação

Camila Molina – O Estado de S.Paulo

Um dos dons da fotógrafa mexicana Graciela Iturbide é, como diz a curadora Marta Dahó, mesclar realidade e representação em imagens em preto e branco de maneira suave e potente, intensa. O México de Graciela é certo que tem uma importância fundamental em seu trabalho – a força da cultura pré-colombiana aparece naturalmente em seus retratos, assim como a figura da morte, da festa dos mortos, tão popular em seu país, volta e outra está a rondar suas composições – mas a fotógrafa também explora outras localidades, como, principalmente, os Estados Unidos e a Índia. É uma linguagem particular a de Graciela Iturbide, como se pode ver em sua mostra retrospectiva, a ser inaugurada amanhã na Pinacoteca do Estado.

Quase 90 imagens, realizadas pela fotógrafa entre 1969 e 2008, estão reunidas na exposição, já apresentada na Fundação Mapfre em Madri (realizadora da mostra), e na Suíça – e que depois seguirá para o México. A retrospectiva chega reduzida à metade de sua formação original a São Paulo, mas sem deixar de expor ao público brasileiro imagens de séries consideradas ícones da trajetória de Graciela Iturbide, nascida em 1942. Como a dos índios seris do deserto de Sonora (na fronteira do México com os EUA), de 1979; ou Juchitán de las Mujeres – a mais famosa da fotógrafa -, sobre a cultura zapoteca (do Sul de seu país), com imagens realizadas entre 1978 e 1986.

Entretanto, como frisa Marta Dahó, uma das questões fundamentais da retrospectiva é jogar luz à produção recente (e até, alguma parte inédita) da consagrada Graciela, desbravada nos últimos 15 anos. “É uma fotógrafa que está na ativa, mas que em geral é conhecida por seus trabalhos sobre o México indígena”, diz. Para Marta, Graciela, que vem ao Brasil para a abertura da mostra, “não é uma antropóloga”, nem uma documentarista – é fotógrafa poética, com a capacidade de colocar em imagens muitas “camadas”. “Às vezes, suas fotos são surrealistas, de uma vontade inconsciente, visceral”, define.

Graciela frequentava um curso de cinema na Cidade do México quando conheceu o fotógrafo Manuel Álvarez Bravo, professor na faculdade. No fim da década de 1960 começou a fotografar – tornou-se assistente de Bravo, seu “mestre de vida”. “Ela era de uma família da alta burguesia mexicana e não conhecia o México popular, das culturas pré-colombianas que Manuel Bravo a levou a conhecer”, conta a curadora.

Frida. Primeiro, em sua carreira – que teve como marco infeliz a morte, em 1970, de sua filha de 6 anos – ela se dedicou aos retratos, já feitos a partir de “uma linguagem muito madura”, define Marta. Mas, com o tempo, Graciela começou a se interessar mais por paisagens e objetos, motivando um caráter intimista e revelador da “presença pela ausência” em sua obra. Nesse sentido, é exemplar a série O Banheiro de Frida, de 2006 – na qual nos apresenta um olhar criativo ao retratar os vestígios do banheiro da casa da pintora mexicana Frida Kahlo (1907-1954), trancado desde sua morte por pedido de seu marido, Diego Rivera.

GRACIELA ITURBIDE
Pinacoteca. Praça da Luz, 2, 3324-1000. 10 h/ 18 h (fecha 2ª). R$ 6 (sáb., grátis). Até 30/1.

Gisele Teixeira

Fonte Aquí me quedo

Elena Baca

Susan Meiselas

Soldados procurando entre passageiros de um ônibus, em El Salvador – Susan Meiselas

Sandinistas em Nicarágua

Nicarágua – Esteli

Escapando do bombardeio em Esteli (Nicarágua)

El Salvador, 1981; foto: ©Susan Meiselas/Magnum Photos

Francesca Woodman – Uno de los nuestros

Francesca Woodman© – Self portrait at thirteen, Boulder, Colorado, 1972-1975

Francesca Woodman nació en Denver, Colorado un 3 de Abril de 1958 y murió al saltar por una ventana del Lower East Side de Manhattan el 19 de Enero de 1981 con apenas 23 años de edad. Antes de suicidarse, en una carta a un amigo de la escuela de Sloan Rankin, escribía las siguientes palabras: “Mi vida en este punto es como un sedimento muy viejo en una taza de café y preferiría morir joven dejando varias realizaciones… en vez de ir borrando atropelladamente todas estas cosas delicadas…”.

Francesca Woodman©

Francesca Woodman©

Francesca Woodman nace en el seno de una familia de artistas. Su padre era fotógrafo y su madre una reconocida ceramista. Ambos gestionan un archivo de más de 800 imágenes de las cuales solo 120 han sido expuestas o publicadas. De ellos obtendría también Francesca sus primeras influencia hacia el arte que ella conceptualizaría no solo como un modo de vivir, sino más bien como un modo de pensar.

Francesca Woodman© – untitled (Italy), 1977-78

Francesca Woodman© – Self-Deceit 1 Rome 1978

Francesca Woodman©

Si bien sus imágenes revelan una fascinación estética por la muerte y la decadencia, materializada en casas decrépitas, flores secas y paredes desconchadas, sus imágenes no sólo se mantienen ajenas a la desesperación que precede un suicidio, sino que rezuman vitalidad, energía, poder y ansia de experimentación. Casi nunca enseña el rostro y experimenta con su cuerpo desnudo. A veces se mira con los ojos de una mujer y otras con el deseo de un hombre, pero nunca soporta estar fuera del encuadre.

Francesca Woodman© – New York 1979 – 1980

Francesca Woodman©

Francesca Woodman©

Su obra consiste, mayoritariamente, en retratos de mujeres en blanco y negro, siendo ella misma la modelo en muchas ocasiones. El cuerpo es uno de los temas centrales de su fotografía; las figuras humanas aparecen borrosas, perdidas en la sombra, parecen formar parte de las salas invadidas por el deterioro. Femeninas, sensuales, intensas, a veces dramáticas, pero nunca desesperadas. Así, la mayoría de las imágenes de Francesca parecen tejer un mundo deliberadamente enigmático que le ha valido, junto con una turbulenta estancia en Roma y el epílogo del suicidio, también una fama de fotógrafa con aura maldita.

Francesca Woodman© - It must be time for lunch now 1979

Francesca Woodman©

Francesca Woodman©

La infancia de Francesca transcurrió entre Boulder, un pueblo de colorado, y Antella, una aldea de la campaña toscana frecuentada por artistas y exponentes de la alta sociedad de Florencia. Su interés por la fotografía surgió a una edad muy temprana, con solo 13 años, empezó con sus primeros trabajos, ya adoptando un estilo característico, casi siempre fotografiando en blanco y negro con formato cuadrado y dando prioridad a la iluminación para, a través de ella, conseguir centrar la atención sobre un sujeto principal (y normalmente único) en la escena.

Francesca Woodman©

Francesca Woodman© – House #3, Providence, Rhode Island, 1975-1976

Francesca Woodman©

Entre los años 1975 y 1979 fue estudiante de la Rhode Island School of Design en Provedence, y fue aceptada en el Programa de Honores que le permitía vivir durante un año en las instalaciones de la escuela enPalazzo Cenci en Roma. Allí se identificó con el surrealismo y el futurismo, que desde entonces ganaron presencia en sus fotografías, así como la decadencia, representada en las paredes desnudas y los objetos antiguos que también comenzaron a poblar sus trabajos.

Francesca Woodman©

Francesca Woodman© – Providence, RI, 1975-1978

Francesca Woodman©

En 1979 se trasladaría a Nueva York donde quiso hacer la carrera de fotografía. Envió portafolios a algunos fotógrafos de moda, pero sus esfuerzos no se vieron recompensados. Debido a su fracaso y a una rotura sentimental, Woodman entra en una depresión que culminaría con su suicidio en 1981.

Francesca Woodman© – New York, 1980-1981

Francesca Woodman© – House #4, Providence, Rhode Island, 1975-1976

Francesca Woodman© - Space 2 Providence, Rhode Island, 1975 – 1976

La joven Woodman nunca llegó a ganarse la vida como fotógrafa. Su universo estaba hecho de estudios y crecimiento, artístico o personal. Y en muchos casos, dudas y tribulaciones. Para intentar comprender qué le pasaba por la cabeza durante la adolescencia, sirvan estos pasajes de su diario, escritos en el otoño de 1975, en los que habla de sí misma tanto en primera como en tercera persona: “[…] Una parte de este libro contiene ideas que quiero organizar en series. Intento seguir la huella del cambio de la moral de Francesca y contar lo que he hecho. La lista de alimentos que he comido, por ejemplo […]. Los pasteles son mi forma de arte favorita; yo preparo magníficos panecillos de jengibre, trufas de chocolate, pasteles de melocotón y flanes de zarzamora. No hay nada más relajante que quedarse a solas con un buen libro de cocina y las palabras!”.

Francesca Woodman© – Space 2, Providence, Rhode Island, 1975-1978

Francesca Woodman© – Eel series Roma , 1977-1978

Francesca Woodman©

Meses más tarde, Francesca tenía una actitud más negativa: “Esta noche no estoy contenta. Pienso y hablo a menudo de mi detestable tendencia al romanticismo. Creo que el esfuerzo de deshacerme de esta actitud en mi trabajo ha tenido un extraño efecto en mi vida… La fotografía es también una manera de conectar con la vida. Hago fotos de la realidad filtradas a través de mi mente”, cuenta unas páginas antes de explicar con toda naturalidad las “seis formas de comer naranjas”

Francesca Woodman© – Providence, Rhode Island 1976

Francesca Woodman© – Roma, Italy, May 1977 – August 1978

Francesca Woodman© – Early, 1972-1975

Francesca Woodman©

Francesca Woodman© – Boulder Colorado, 1972-1975

Francesca Woodman©

Gracias a María Villares y su muy recomendable blog Reflejo en el Ojo por darme a conocer a esta gran artista.
Más info en Wikipedia y en este artículo de El País.

© Foto de Oscar Graubner. A fotógrafa Margaret Bourke-White no topo do edifício Chrysler Building. Nova York, 1934.

Essa célebre fotografia em que aparece a fotógrafa norte-americana Margaret Bourke-White trabalhando no topo do edifício Chrysler Building, em Nova York, foi feita em 1934, por seu assistente na época, o fotógrafo Oscar Graubner. Margaret Bourke-White (1904-1971) nasceu em Nova Iorque, em 14 de junho de 1904. Tornou-se fotógrafa quando estudava em Cornell University. Ela era aluna de Clarence White na Columbia University e mais tarde abriu seu estúdio em Cleveland onde se especializou em fotografia arquitetônica. Margaret foi a primeira fotógrafa da revista Life. Era uma mulher de esquerda que fez várias viagens para a ex-União Soviética (URSS). Em 1931 publicou “Olhos sobre a Rússia”. Profundamente consciente de seu papel, foi a única fotógrafa estrangeira a cobrir os territórios ocupados da União Soviética depois da invasão do exército alemão em 1941. Após a Segunda Guerra Mundial ficou interessada na campanha de não-violência promovida por Gandhi. Nos anos 50, a fotógrafa foi diagnosticada como portadora do mal de Parkinson. Ela recém tinha completado 50 anos quando teve de abandonar a carreira para lutar contra a doença. Foi operada no cérebro por duas vezes, em 1959 e em 1961. Faleceu em 27 de agosto de 1971, aos 67 anos de idade.

Fonte Images & Visions

Margaret Bourke-White, The Louisville Flood, 1937. Gelatin silver print mounted on board, 9 11/16 × 13 3/8 in. (24.6 × 34 cm). Whitney Museum of American Art, New York; gift of Sean Callahan 92.58

Fotografias de Francesca Woodman

Arte photographica

Madres e hijas © Adriana Lestido

Adriana Lestido mete-se dentro das histórias, não se limita a observá-las

O trabalho que Adriana Lestido (Argentina, 1955) tem desenvolvido ao longo dos 30 anos que já leva de carreira está impregnado de uma aproximação documental que se inclui dentro do género do fotojornalismo. As primeiras séries presentes na retrospectiva Amores Difíciles (a primeira mostra individual que apresenta em Espanha com obras captadas entre 1979 e 2007) denunciam muito directamente essa condição formal. Mas à medida que se avança rumo a trabalhos mais recentes, descobre-se uma procura de registos mais fugazes e diluídos, uma procura “pela vivência do tempo como um processo narrativo” que vai revelando uma visão mais poética e emotiva, “uma voz interior”.

A experiência da maternidade em situações emocionais limite tem formado um dos temas centrais da obra da fotógrafa argentina. Dentro desse universo que aborda a dificuldade de construir relacionamentos estáveis (Madres Adolescentes, sobre a solidão e o medo de uma maternidade antes do tempo numa casa estranha, Mujeres Presas, sobre os condicionamentos de ser mãe na prisão), onde é mais nítida a reflexão sobre questões sociais, surge um olhar mais pessoal acerca da “dificuldade de amar” e que se revela sobretudo nos projectos Madres e hijas, El Amor e Villa Gesell. Aqui, os sentidos e as experiências íntimas falam mais alto – a nitidez, o foco e o enquadramento perfeito foram ficando para trás. No primeiro trabalho, Lestido acompanhou durante quase cinco anos alguns altos e baixos do relacionamento de quatro pares de mães e filhas. Em El Amor (1995-2005) e Villa Gesell (2005) aparecem as vivências mais introspectivas e ligadas a uma tentativa de libertar as imagens de qualquer género ou tipologia estética. Lestido é “uma documentalista que não se dilui no género fotojornalístico e que procura um olhar interior, os aspectos mais emocionais que privilegiam os sentidos”, afirmou o comissário Santiago Olmo na apresentação da mostra.

Para Olmo, todas as séries apresentadas (um total de 159 fotografias) são “para ver e sentir”, porque Adriana Lestido “é uma fotógrafa que se mete dentro das histórias, não se limita a observá-las”.

Madres e hijas © Adriana Lestido

Adriana Lestido, Amores Difíciles
Casa de América, Marqués del Duero, 2, Madrid
Até 29 de Agosto

Lisa Boyle©

Martine Emdur ©

Martine Emdur©

Martine Emdur©

Martine Emdur©

Martine Emdur©

Martine Emdur©

Martine Emdur©

Martine Emdur©

Jill Freedman
Spectator Sport
1970
gelatin silver print
11 x 14 inches
vintage
signed in pencil on verso

Sophie Thouvenin – inside a dream

Sabine Weiss

© Foto de Bettina Rheims. Volupté. Paris, 2009.

Uma jovem mulher procura Rose, sua irmã gêmea, que ela afirma ter desaparecido. Este é o ponto de partida do novo trabalho da fotógrafa francesa Bettina Rheims sobre uma ficção concebida com a ajuda do escritor Serge Bramly. É uma sucessão de cenas bizarras e pouco convencional que é proposta na exposição na galeria principal da Biblioteca Nacional da França- BNF, em Paris, até o dia 11 de julho de 2010. Vasculhando os lugares mais inesperados e misteriosos da capital, ela oferece aos visitantes uma viagem ao longo de uma história. Somos convidados a descobrir as aventuras de um fantasma em figura feminina, que se disfarça, aparece e desaparece no lado íntimo de Paris, sempre fotografado em preto e branco por Bettina Rheims. Este é um retrato ficcional da cidade, mas também uma visão muito pessoal da capital que é transmitida. Detalhes autobiográficos e até mesmo os elementos da vida privada são usados para retratar os aspectos mais escondidos da cidade através de uma variedade de personagens que pertencem a Bettina Rheims e Serge Bramly e de seu círculo de amigos. Desconhecidos ou modelos famosos tomaram parte nesta história longa e misteriosa, entre eles Monica Bellucci, Valérie Lemercier e Naomi Campbell.

Fonte Images & Visions

Mais de Bettina Rheims

Images & Visions

© Foto de Ellen von Unwerth, 2002.

A partir do momento que a ex-modelo alemã Ellen von Unwerth pegou uma câmera em meados dos anos oitenta, ela cativou o mundo da moda com um estilo ao mesmo tempo elegante, evocativo e erótico. Depois de 10 anos trabalhando como modelo, Unwerth se tornou uma das mais importantes fotógrafas de moda, por apresentar um erotismo feminino com delicadeza, mas sem medo de ser ousada. Seu estilo pode ser definido como uma visão feminina do trabalho de Juergen Teller, Helmut Newton e Terry Richardson. A fotógrafa retratou beldades como Claudia Schiffer, Kate Moss, Vanessa Paradis, Britney Spears, Eva Mendes, Lindsay Lohan, Dita von Teese, Carla Bruni, Eva Green, Christina Aguilera e Monica Bellucci, e entre elas a brasileira Adriana Lima. Publicou vários livros e participou de exposições em Nova York, Paris, Amsterdã e Hamburgo. A artista criou campanhas para Baccardi, Victoria’s Secret, Banana Republic, Tommy Hilfiger, H & M, Diesel, Chanel, Miu Miu, Blumarine, bem como uma série de propagandas para HBO, Sex and Escolher entre as tags mais usadas em Tags de poststhe City, entre outras. Von Unwerth também se aventurou como cineasta ao dirigir curtas-metragens para Azzedine Alaïa e Katherine Hamnett, videoclipes para artistas como Duran Duran e comerciais para Bacardi e Clinique. Fonte Images & Visions

Fotos de Autumn Sonnichsen

Fátima Sá – O Globo

RIO – Quem vê a lourinha da foto ao lado, cabelo longo, riso solto, jeito de menina, não imagina do que ela é capaz. Autumn Sonnichsen tem apenas 26 anos, mas está virando referência quando o assunto é mulher pelada. Para ela, modelos, atrizes e anônimas tiram a roupa com a maior naturalidade e se deixam fotografar em locais e situações que nunca tinham pensado. Californiana, vivendo entre São Paulo e Nova York desde o fim de 2005, Autumn é hoje o nome por trás de alguns dos ensaios mais bacanas que a “Trip” e a “Playboy” têm publicado. Não que ela fotografe apenas mulheres peladas. Autumn também é autora de elogiadíssimos editoriais de moda e beleza. Mas são suas fotos sensuais que mais chamam a atenção por aí.

” Cheguei nesse lance pornô bem por acaso. Não fui procurando por isso. Não sou punheteira “

Autoretrato

Ao desembarcar no Brasil (porque queria viver um tempo no Hemisfério Sul), Autumn retratou anônimos e colaborou com diferentes publicações até chegar à finada “Ele Ela”, em 2006, onde foi editora de imagem. Nessa época, viajou para a Flórida, soube que rolava uma premiação da indústria pornô e pirou com o que viu.

- Cheguei nesse lance pornô bem por acaso. Não fui procurando por isso. Não sou punheteira – ela diz, num português cheio de vocabulário e quase impecável, não fosse o sotaque e os gêneros das palavras, que ela vive trocando. – Mas sempre gostei de certas imagens. Meu primeiro ensaio de moda teve como tema uma stripper voltando para casa de manhã. Sempre foi muito forte na minha cabeça essa ideia da mulher da noite que se transforma de dia.

Na Flórida, Autumn conheceu a atriz Gia Paloma. Achou a mulher incrível e resolveu se apresentar. Semanas depois, ela colocava Gia na capa da “Ele Ela”. Ela e muitas outras.

- Foi na “Ele Ela” que a gente viu as primeiras coisas da Autumn – conta Edson Aran, diretor de redação da “Playboy”. – Ela faz um trabalho muito diferente, é muito moderna. E coloca intimismo nas fotos, consegue fazer com que o leitor sinta que a mulher está ali só para ele. Isso é direção, e são poucos os fotógrafos que conseguem. A essência de um bom trabalho sensual é abstrair que existe maquiador e produção em torno. Além disso, já é raro ver mulheres fazendo fotos sensuais. Ainda mais com um olhar do que vai excitar o homem. A Autumn faz isso muito bem.

Logo, a fotógrafa estava fazendo vários trabalhos para a “Playboy”. Alguns de grande repercussão, como a edição especial de abril do ano passado, em que Nana Gouvêa posou em locais de São Paulo, com direito a apimentadas fotos dela e de Autumn juntas. A atriz nunca tinha ouvido falar na fotógrafa. Conheceu seu trabalho pelo site ( www.autumnsonnichsen.com ). Mas no set…

- Em muitos momentos parecia que a gente estava diretamente uma com a outra, sem nada em volta – Nana diz. – Foi uma gratíssima surpresa. Ela tem uma mão incrível pra fotografia. Além de ser uma menina doce e querida, é realmente muito talentosa. Sabe deixar a mulher linda, sem fazer aquelas fotos de mesmice que a gente está cansada de ver.

Antes da “Playboy”, Autumn já fotografava para a “Trip”. Depois, fez trabalhos para a “Quem” e para várias outras. Foi até entrevistada pelo Amaury Jr. No ar, sugeriu que ele tirasse a roupa pra ela. Amaury corou.

Autumn estava no Rio até semana passada. Veio ver amigos e fotografar o carnaval. Tinha chegado há pouco de Nova York, onde foi encontrar o marido, alemão, também fotógrafo. De short e chinelo, voz doce e gestos delicados, ela sentou num café de Ipanema, tomou vinho e contou sua história.

O lance com a foto começou na adolescência. Aos 14, 15 anos, ela resolveu fazer um curso básico. Aos 16, terminou o colégio e foi estudar história da arte. Um ano mais tarde, pegava a estrada. Foi para Paris, depois Berlim e, então, África do Sul:

- Como eu falava alguns idiomas (inglês, espanhol, alemão…), trabalhei como assistente de fotógrafos europeus. Daí fui fazendo meu portfólio, pensando que podia ter uma linguagem própria, uma coisa só minha.

Um dia, ouviu de um fotógrafo: “O mais importante é descobrir seu tipo de mulher. É através do seu tipo de mulher que você encontra sua linguagem.” Autumn sempre soube qual era o seu tipo de mulher. E sempre soube do que gostava em fotos, pinturas, imagens. Ela curtia os nus pintados por Ingres e Courbet, as cores das telas de Rothko, as fotos de Edward Weston e Eikoh Hosoe, os textos de Yukio Mishima. Hoje, quando fala de fotografia, cita nomes como David LaChapelle, mas não se preocupa muito com o que os outros fazem. Nunca se preocupou:

- Quando você é gringa, e eu moro fora desde que sou razoavelmente nova, você aprende a não ligar muito para o que as pessoas acham. É só saber do que você realmente gosta e fazer isso.

E, afinal, do que Autumn realmente gosta? Qual é o tipo de mulher que ela quer retratar?

- Uma mulher mais bagunçada, que chega chegando – dá uma risada. – Não é necessariamente um tipo físico, é mais um feeling de mulher. Também gosto que as fotos contem histórias, e para isso é preciso prestar atenção na menina, saber onde ela fica bem, o que ela espera daquilo, qual é a dela.

Autumn curte textura, detalhe, sutileza. E há frequentemente algo fora da ordem nas imagens que ela faz.

- Gosto que a fotografia seja como um sonho, uma situação que até pode ser real, mas com alguma coisa ali que te lembra que é sonho – explica.

Foto de Debbie Fleming Caffery, do livro Spirit & the flesh

© Foto de Judy Dater. A fotógrafa Imogen Cunningham dando aula sobre fotografia de nudez com a modelo Twinka Thiebaud. Califórnia, 1974.

Essa célebre fotografia foi feita em Yosemite, na Califórnia, em 1974. Na imagem, vemos Imogen Cunningham (1883-1976), conhecida como uma das maiores fotógrafas norte-americanas, dando uma aula sobre fotografia de nudez. A aluna Judy Dater viu sua chance e registrou a imagem de Cunningham e a modelo Twinka Thiebaud. A foto correu o mundo. Fonte Images & Visions

A Fundação FotoColectania, sediada na Espanha, abriu a exposição coletiva sobre a fotografia latino-americana do século XX, em Buenos Aires, na Argentina. A mostra contém obras da artista plástica mineira Rosângela Rennó, além de quadros do retratista Horacio Coppola, de 104 anos, um dos maiores ícones da fotografia argentina e famoso por suas imagens de Buenos Aires, sobretudo da década de 30. Conhecido por suas lendárias fotos do revolucionário Che Guevara, o cubano Alberto Korda também é destaque da exposição, que ainda traz o artista Pablo Ortiz retratando os marginalizados do México em suas fotografias. Fonte Images & Visions

Vista de la exposición sobre la fotografía latinoamericana del siglo XX de la Fundación FotoColectania, de Barcelona

Horacio Coppola

Barcelona, 27 ene (EFE).- La transformación de las grandes metrópolis latinoamericanas en los últimos cien años sirve de hilo conductor de la exposición fotográfica inaugurada hoy en la Fundación Colectania de Barcelona, en la que se incluyen unas ochenta imágenes de la colección Ana Gamazo de Abelló.

El retratista de Buenos Aires Horacio Coppola; el cubano Alberto Korda, que se dio a conocer por sus fotos del Che Guevara; Geraldo de Barros, representante de la fotografía vanguardista brasileña, o Sergio Larrain, el mejor ejemplo de la fotografía chilena, son algunos de los autores presentes en la muestra, que podrá visitarse hasta el día 29 de mayo.

Geraldo de Barros

Ana Gamazo de Abelló ha explicado en rueda de prensa que inició su colección fotográfica, que cuenta con unas 420 piezas, en el año 2002, una vez consolidadas las de pintura y dibujos, con la intención de recuperar “copias de época” de artistas procedentes de Latinoamérica.

Junto con el experto francés Alexis Fabry, comisario de la exposición, empezaron a investigar sobre el terreno, “viajando a los países que nos interesaban a la búsqueda de fotografías especiales y únicas, tanto de autores conocidos como de otros que merecía la pena hacer visibles”.

En la actualidad, la colección contiene imágenes que van desde el año 1895 hasta 2008, principalmente de países como México, Venezuela, Argentina y Brasil.

La exposición de Colectania, bajo el título de “El peso de la ciudad”, es la primera de estas características que ofrece la coleccionista Ana Gamazo y se ha querido que fuera representativa tanto cronológica como geográficamente de las transformaciones de las grandes ciudades de Sudamérica como Buenos Aires, México D.F, o Sao Paulo.

Uno de los fotógrafos destacados es el argentino Horacio Coppola (foto à esquerda e acima), nacido en Buenos Aires en 1906, que recibió el encargo en 1936 de plasmar la capital de su país con motivo del 400 aniversario de su fundación.

También hay obra del mexicano Manuel Álvarez Bravo; de la fotorreportera más importante de Argentina, Adriana Lestido, o de la brasileña Rosangela Rennó, que trabaja sobre materiales que encuentra de otros autores y los adapta para sus composiciones.

Rosangela Rennó (foto Images & Visions)

Son curiosas, por otra parte, las imágenes del mexicano Antonio Caballero, que trabajaba en la realización de fotonovelas, y que consigue unas obras en las que teatralidad y realismo se mezclan.

Daniel González, de Venezuela; la peruana Milagros de la Torre; el brasileño Gaspar Gasparian; el cubano Jose A.Figueroa; el colombiano Lunga (Luis Gaitán) o el uruguayo Mario Schettini son otros de los autores representados en la muestra.

Gaspar Gasparian

Alexis Fabry ha recordado que el proceso para conseguir esta colección siempre seguía los mismos parámetros: “A la vez que comprábamos una foto nos acercábamos a la realidad de esos países, sin ir a las grandes galerías porque lo que buscábamos no estaba allí”.

Por su parte, Ana Gamazo ha apuntado que muchas de las imágenes son de personas, porque “me gusta mucho la gente y lo que ocurre en la calle, más que los paisajes o las cosas muy geométricas”.

Con respecto al futuro de la colección, Ana Gamazo de Abelló ha avanzado hoy que tiene mucho interés en ampliarla con la obra de artistas africanos, un continente que conoce bien y al que viaja a menudo.

Lo que se ve
Fotografías 1979-2007
Adriana Lestido